Académie Voix Nouvelles

Né le 27 février 1959 à Paris, Frédéric Durieux apprend le piano dès l’âge de 5 ans. Il poursuit plus tard sa formation au Conservatoire national de région de Grenoble (Harmonie et Contrepoint) où il obtient une médaille d’or en Harmonie (1981). Il est admis au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP) en 1982, il y obtient un Premier Prix d’analyse en 1984 dans la classe de Betsy Jolas ainsi qu’un Premier Prix de composition en 1986 dans la classe d’Ivo Malec. Dans le même temps, il est sélectionné par l’Ensemble Intercontemporain pour un premier concert en 1985, et poursuit sa formation à l’Ircam dans le service de la Recherche musicale (1985-86). Nommé Pensionnaire à la Villa Médicis de Rome, où il séjourne deux années (1987 -1989), il compose à Rome sa première partition pour ensemble et électronique, Parcours Pluriel (1987-1988), commande de l’Ensemble L’Itinéraire de l’Ircam. Il réalise la partie des sons électroniques dans les studios de l’Ircam et celui de la Villa Médicis. 
Frédéric Durieux a reçu de nombreuses commandes et ses œuvres ont été jouées en Europe (France, Italie, Autriche, Suisse, Allemagne, Royaume-Unis, Suède, Norvège, Espagne et Portugal), en Asie (Japon, Chine et Corée du Sud), ainsi que sur le continent nord-américain (USA, Canada, Mexique). Son catalogue comprend à ce jour plus de cinquante œuvres, pour voix, solistes, formations de chambre, ensemble ou orchestre, avec ou sans électronique. 
Expressives et rigoureusement construites, les partitions de Frédéric Durieux font souvent référence à des œuvres littéraires poétiques (Yves Bonnefoy, Emmanuel Hocquard, Paul Celan, Friedrich Hölderlin, Ayukawa Nobuo et Philippe Beck) ou dramatiques (Howard Barker, Samuel Beckett). Des œuvres d’Art Plastique inspirent également son travail, notamment celles de Barnett Newman, Cy Twombly ou Christian Boltanski. 

www.fredericdurieux.com

George Lewis est actif dans les domaines de l’art et de la musique du XXe siècle, où il est à la fois compositeur, interprète et concepteur d’installations avec ordinateurs.  Il est depuis vingt ans membre de l’Association for Advancement of Creative Musicians, et a étudié la composition avec Muhal Richard Abrams à l’AACM School of Music, et le trombone avec Dean Hey. Diplômé de philosophie du Yale College, il a obtenu plusieurs prix du National Endowment for the Arts dans les catégories musique et inter-arts. George Lewis a présenté ses compositions interdisciplinaires en Europe de l’Est et de l’Ouest, en Amérique du Nord et au Japon. Ses compositions par ordinateur ont été créées au Banff Centre (Canada), à l’Ircam (Paris) et au Studio voor Elektro-Instrumentale Muziek (Amsterdam), ses installations multimédias à la Randolf Street Gallery de Chicago et au Musée de la Villette à Paris, et ses « vidéos musicales interactives », combinant théâtre, vidéo et musique par ordinateur au festival Arte Elettronica de Camerino (Italie) et The Kitchen (New York). 
L’activité de George Lewis en tant que tromboniste est illustrée par plus de 80 disques, sur lesquels on le retrouve en tant que compositeur, auteur d’improvisations ou interprète. Il a enseigné à l’Université Simon Fraser, au Conservatoire Royal de La Hague et à l’Art Institute de Chicago, et a été pendant deux ans programmateur musical du Kitchen Centre de New York City. George Lewis est depuis 1991 professeur-assistant à l’Université de Californie, San Diego. 

wisemusicclassical.com

Après des études complètes de Chant au Portugal, Raquel Camarinha obtient en 2011 son Master au CNSMDP, puis en 2013 les DAI “Chant” et “Répertoire Contemporain et Création”. Lauréate de plusieurs concours internationaux, elle est nommée Révélation Lyrique aux Victoires de la Musique 2017. Tout en développant une intense activité de duettiste avec le pianiste Yoan Héreau, elle a collaboré de près avec des compositeurs tels que B. Attahir, K. Saariaho, P. Dusapin ou F. Filidei. Son album Life Story (Naïve, 2023), tire son nom de la pièce homonyme de T. Adès et inclut une création de B. Attahir, A Criança em ruínas. Ce projet est né du dispositif incubateur de la Fondation Royaumont. En 2024, elle participe à l’Académie Voix Nouvelles : expérience collective de création d’opéra « Butterfly room service » présenté le 7 septembre 2024 lors de l’ouverture du festival de Royaumont – 60ème anniversaire.

raquelcamarinha.com

La soprano Juliet Fraser a un répertoire dominé par les œuvres très anciennes et très récentes. Spécialisée dans les recoins les plus épineux de la musique classique contemporaine, Juliet est une commanditaire active de nouveaux répertoires et a travaillé en étroite collaboration avec les compositeurs Laurence Crane, Pascale Criton, Michael Finnissy, Bernhard Lang, Cassandra Miller et Rebecca Saunders. Parmi les festivals récents, citons le Aldeburgh Festival, le Huddersfield Contemporary Music Festival, Acht Brücken (Cologne), MaerzMusik (Berlin), Milano Musica, Rainy Days (Luxembourg) et TIME:SPANS (NYC). 
Elle se produit régulièrement en tant que soliste invitée avec des ensembles tels que MusikFabrik, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Plus-Minus et Talea, avec le Quatuor Bozzini et en duo avec le pianiste Mark Knoop. Une grande partie de ses commandes se concentre sur la création d’un ensemble de nouvelles œuvres pour voix et bande/électronique ou pour voix et piano. Elle a récemment commandé des pièces à Lara Agar, Laurence Crane, Nwando Ebizie et Newton Armstrong. Juliet est également connue pour avoir insufflé une nouvelle vie à un répertoire existant comme le Second String Quartet de Schoenberg, Philomel de Babbitt, Bouchara de Vivier, Three Voices de Feldman et Quatre chants pour franchir le seuil de Grisey. 
En 2015, elle a sorti son premier disque, Feldman’s Three Voices (sur Hat Hut). Parmi ses sorties récentes figurent ses quatre « commandes Carson » : Natural World de Laurence Crane (Another Timbre), This Unquiet Autumn de Lara Agar (YouTube), I Birth the Moon de Nwando Ebizie (YouTube) et The Book of the Sediments de Newton Armstrong (all that dust).  
Juliet a récemment lancé VOICEBOX, une initiative de soutien aux chanteurs spécialisés dans la performance vocale contemporaine, qui est proposée en partenariat avec Britten Pears Arts, City, University of London, Sound Festival (Aberdeen) et Hawkwood College.  
Juliet est la fondatrice et directrice artistique d’eavesdropping, un festival de musique nouvelle organisé au Café OTO dans l’est de Londres, codirectrice avec Mark Knoop et Newton Armstrong de all that dust, un petit label indépendant de musique nouvelle, et directrice de programme de VOICEBOX. En 2023, Juliet a reçu un doctorat honorifique de l’Université de Southampton. 

www.julietfraser.co.uk

Irène Gayraud (Sète, 1984) est écrivaine, poétesse, traductrice et maîtresse de conférences en littérature comparée à Sorbonne Université.
Elle a publié un roman, Le livre des incompris (Éditions Maurice Nadeau, 2019), et cinq  livres de poésie, dont Passer l’été (La Contre allée, 2024),et Téphra (Al Manar, 2019).
Ses textes sont publiés dans de nombreuses revues françaises et internationales, ainsi que dans des anthologies et des collectifs.
Elle a traduit la poétesse chilienne Prix Nobel de Littérature Gabriela Mistral aux Éditions Unes (Essart, 2021 ; Pressoir, 2023 ; Poème du Chili, 2025), ainsi que des poèmes du cinéaste chilien Raoul Ruiz (Rusticatio Civitati Piratarum, Éditions Unes, 2023). Avec Christophe Mileschi, elle a traduit les œuvres poétiques de Dino Campana (Chants Orphiques et autres poèmes, Points Poésie, 2016). Elle est en outre membre de l’Outranspo (« Ouvroir de translation potencial »).

Elle travaille régulièrement en collaboration avec des compositeurs de musique contemporaine, comme poète et/ou récitante (Luis Codera Puzo, Helena Winkelman, Fernando Munizaga, Daniel Alvarado, Sergio Nuñez Meneses, Marta Gentilucci, Raquel García-Tomás…)
En septembre 2021, elle participe à la Biennale de Venise comme poétesse et récitante, dans le cadre de la pièce Moving Still de la compositrice Marta Gentilucci, programmée à nouveau au Studio de la Philharmonie de Paris le 18 septembre 2022. Elle a écrit le livret de l’opéra Alexina B. – musique de Raquel García-Tomás, mise en scène de Marta Pazos – créé en mars 2023 au Grand Théâtre du Liceu de Barcelone. Elle co-anime le Workshop Poésie/Musique du programme Cursus de l’IRCAM (Paris) depuis 2020. En 2024, elle a participé à l’organisation du festival Mondes sonores – Musique contemporaine, poésie, danse créé par le compositeur Grégoire Lorieux.

À la fin de son cursus au CNSMDP, Yoan Héreau intègre pour trois saisons l’Académie de l’Opéra de Paris en qualité de pianiste chef de chant. 
On le retrouve ensuite très vite dans les productions des plus grands théâtres et en particulier dans le domaine de l’opéra contemporain, participant à la création d’œuvres de compositeurs majeurs de notre temps comme Georges Benjamin, Pascal Dusapin, Francesco Filidei ou encore Kaija Saariaho.
Il poursuit en parallèle une carrière féconde de concertiste avec l’enregistrement de plusieurs opus pour les labels Naïve et Mirare et est le directeur artistique des Parenthèses musicales de Saint-Maurice depuis 2019. En 2024, il participe à l’Académie Voix Nouvelles : expérience collective de création d’opéra « Butterfly room service » présenté le 7 septembre 2024 lors de l’ouverture du festival de Royaumont – 60ème anniversaire.

yoanhereau.com

Elaine Mitchener est une chanteuse, artiste du mouvement et compositrice afro-caribéenne britannique qui travaille entre la nouvelle musique contemporaine/expérimentale, l’improvisation libre et l’art visuel. Elle est actuellement artiste associée au Wigmore Hall, a été boursière du DAAD Artist-in-Berlin (2022) et a été artiste exposante au British Art Show 9 (2021-22). En février 2022, Mitchener a reçu un MBE pour services rendus à la musique. Elaine est la fondatrice de l’unité électroacoustique collective The Rolling Calf (avec Jason Yarde et Neil Charles). 
Parmi ses collaborateurs réguliers figurent : les compositeurs George E Lewis, Jennifer Walshe et Tansy Davies ; les artistes visuels Sonia Boyce, Christian Marclay et The Otolith Group ; les ensembles de chambre Apartment House, London Sinfonietta, Ensemble MAM, Ensemble Klang et Klangforum Wien ; la compagnie du chorégraphe Dam van Huynh ; et des musiciens expérimentaux tels que Moor Mother, Loré Lixenberg, Saul Williams, Pat Thomas et David Toop. 
Parmi ses performances récentes, citons : Donaueschinger Musiktage, MaerzMusik, Baremboim-Said Akademie, Cafe Oto, Konzerthaus Wien, Radialsystem V, Centre Pompidou, Muziekgebouw, Darmstadt, ICA London, London Contemporary Music Festival, Korzo Theater, Royal Opera House, Barbican, November Music, Savvy Contemporary, Sons d’Hiver, Haus der Berliner Festspiele et la Cooper Gallery. 
Tout en développant ses propres projets, Elaine continue de travailler en tant que chanteuse collaborative et interprétative. 

elainemitchener.com

Fondé en 2005 par Mathieu Romano, Aedes est le fruit d’une aventure humaine : fidèles à l’ensemble, les chanteurs partagent avec leur chef une même ferveur pour l’art choral qu’ils servent au plus haut niveau. L’ensemble explore toutes les époques, de la musique baroque aux œuvres a cappella des XXe et XXIe siècles, jusqu’à la création contemporaine. Il se distingue dans des programmes originaux sous forme de spectacles mis en scène, de collaborations avec des artistes issus d’univers différents (danse, théâtre, arts visuels…). Doué d’une grande présence scénique, Aedes est salué et régulièrement invité en tant que chœur d’opéra sur les plus belles scènes lyriques de France. L’ensemble se produit dans de nombreuses salles prestigieuses telles que la Philharmonie de Paris, l’Opéra Comique, le Théâtre des Champs-Élysées, l’Opéra de Paris, le Théâtre du Châtelet, le Palais de Chaillot. Il a participé entre autres aux festivals d’Aix-en-Provence, de La Chaise-Dieu, de Besançon, de Radio France Montpellier, aux Rencontres Musicales de Vézelay. Il est présent sur les scènes européennes, à Vienne (Konzerthaus et Musikverein), Amsterdam, Cracovie et Grenade (Festival International de Musique et de Danse). La musique du XXe siècle et la création contemporaine tiennent une place essentielle dans les activités de l’ensemble. Sa riche discographie consacrée au répertoire a cappella sacré et profane de cette période a reçu l’accueil enthousiaste du public et de la critique. L’ensemble collabore avec des formations renommées dans l’interprétation des chefsd’œuvre du répertoire vocal et instrumental (Les Siècles, l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, le Latvian Radio Choir…). Il œuvre au développement du chant choral en initiant, chaque année, une véritable saison d’actions culturelles. À partir de la saison 2022-2023, l’ensemble Aedes s’établit à l’Abbaye de Saint-Riquier, dans la région des Hauts-de-France afin de créer un Pôle Régional d’Art Vocal, en partenariat avec le Département de la Somme.

www.ensembleaedes.fr

L’Ensemble Orbis est spécialisé dans la création musicale. Orbis signifie boussole en latin et porte une symbolique particulièrement inspirante pour l’Ensemble, en perpétuelle recherche d’un point cardinal utopique, d’un voyage imaginaire vers un monde sonore construit par les désirs des compositrices et compositeurs. L’ensemble s’illustre à travers une pluralité d’esthétiques représentées et par une volonté de développer des projets pluridisciplinaires. Au départ d’un instrumentarium innovant : flûte, saxophone, accordéon, percussion, électronique avec chef, l’ensemble développe une logique de géométrie variable, multipliant les possibilités sonores et s’inscrivant dans un répertoire contemporain dynamique et créatif. 
Sous la direction artistique du compositeur Demian Rudel Rey, l’Ensemble Orbis se nourrit de l’émulation d’un comité composé de personnalités issues d’horizons différents : Rocío Cano Valiño (compositrice et architecte d’intérieur), Lisa Heute (compositrice et accordéoniste) et Louis Quiles (percussionniste et créateur de dispositifs et d’objets sonores automatisés). Il est parrainé par Franck Bedrossian. Les spécificités des membres du comité mettent en valeur une direction artistique innovante et ambitieuse. Le travail avec l’électronique est au cœur de son identité sonore. L’ensemble développe des spectacles avec la vidéo, l’image, la danse, le théâtre, tout en portant une importante réflexion sur la scénographie et la forme du spectacle. Implanté en région lyonnaise, l’ensemble a pour vocation de soutenir des projets de médiation culturelle et artistique dans une logique de partenariat avec les différentes institutions du territoire régional, national comme international. 
L’Ensemble Orbis s’illustre déjà par les nombreuses commandes qu’il a passées aux compositrices et compositeurs. La forte conviction de travailler avec des artistes du monde entier a conduit au lancement de projets internationaux tels que le Festival DME (Portugal), le Festival Rainy Days (Luxembourg), le Théâtre Delphi (Allemagne), entre autres. Par ailleurs, l’ensemble développe des activités en France dans des lieux tels que Périscope, Ambassade de l’Argentine à Paris, OPUS 24.1 Rocher de Palmer (Bordeaux métropole), Théâtre Le Dôme (Albertville), Théâtre de la Renaissance (Oullins) dans le cadre du B!ME 2024 du GRAME.

ensembleorbis.com

Les sept chanteurs des Neue Vocalsolisten se considèrent comme des explorateurs et des découvreurs : en échange avec des compositeurs, ils recherchent sans cesse de nouvelles formes d’expression vocale. L’accent est mis sur la collaboration avec des artistes qui exploitent avec vertu les possibilités des médias numériques, avec un intérêt pour la mise en réseau, le jeu avec les genres, la dissolution de l’espace, des perspectives et des fonctions. Ainsi, des formats interdisciplinaires idiosyncratiques entre théâtre musical, performance, installation et mise en scène de concert caractérisent les projets de l’ensemble, dont le travail, avec plus de 30 premières par an, est considéré dans le monde entier comme leader et unique dans le domaine de la musique vocale contemporaine. 
Les Neue Vocalsolisten ont marqué de leur intérêt particulier le genre du théâtre vocal de chambre, avec des œuvres de Georges Aperghis, Carola Bauckholt, Luciano Berio, Chaya Czernowin, Ricardo Eizirik, Luca Francesconi, Andreas Eduardo Frank, Sara Glojnarić, Gordon Kampe, Mischa Käser, Sarah Nemtsov, Sergei Newski, Lucia Ronchetti, Katharina Rosenberger, François Sarhan, Simon Steen-Andersen, Oscar Strasnoy, Claude Vivier, Jennifer Walshe, Raed Yassin et Yiran Zhao. Les partenaires de l’ensemble sont toujours des ensembles et orchestres spécialisés de premier ordre, des maisons d’opéra internationales, la scène théâtrale indépendante, des studios électroniques et de nombreux organisateurs de festivals et de séries de concerts de musique nouvelle du monde entier. 
Les Neue Vocalsolisten travaillent régulièrement aux frontières d’autres cultures et genres musicaux. En collaboration avec des compositeurs de douze pays différents de la région méditerranéenne et l’artiste vidéo Daniel Kötter, ils ont créé l’installation de concert « Mediterranean Voices ». Et avec des musiciens de la scène musicale expérimentale de Beyrouth, les chanteurs ont créé le projet suivant VOICE AFFAIRS. 

www.neuevocalsolisten.de

Chef polyvalent et en quête perpétuelle d’expériences nouvelles, Mathieu Romano met à profit sa grande connaissance des voix solistes, du chœur et de l’orchestre pour aborder tous les genres, de la musique baroque à la création contemporaine en passant par le symphonique, aussi à l’aise sur scène qu’en fosse d’opéra. 
Lors de son Master en direction d’orchestre du CNSM de Paris, il bénéficie des conseils de chefs tels que François-Xavier Roth, Pierre Boulez, Susanna Mälkki et Zsolt Nagy. Son parcours l’amène ensuite à travailler comme chef assistant auprès de David Zinman, Dennis Russell Davies, François-Xavier Roth, Paul Agnew ou encore Marc Minkowski.  Il devient en 2022 directeur artistique du nouveau Pôle Régional d’Art Vocal des Hauts-de-France et directeur musical du chœur de l’Opéra de Lille.  Avec l’ensemble Aedes, dont il est fondateur et directeur artistique, il se produit dans les plus grandes saisons musicales. Sa riche discographie consacrée à la musique a cappella est saluée par le public et la critique.

ensembleaedes.fr

Surnommé « jeune titan » par la Gazette de Montréal après avoir dirigé l’Orchestre symphonique de Montréal dans Le Château de Barbe-Bleue de Bartók et Erwartung de Schönberg, Gregory Vajda est rapidement devenu l’un des chefs d’orchestre les plus recherchés sur la scène internationale. Reflétant sa présence et sa demande croissantes en Amérique du Nord, il a été nommé en 2011 sixième directeur musical de l’Orchestre symphonique de Huntsville. Il a commencé son mandat de chef principal de l’Orchestre symphonique Savaria en Hongrie à l’automne 2022. Après 3 ans en tant qu’artiste en résidence, il a été nommé chef principal associé (Chef Principal Associé) de l’ensemble de musique nouvelle Ars nova en France pour 2024-2026. En Hongrie, Gregory Vajda est le directeur artistique de l’ensemble de musique nouvelle UMZE et directeur de programme de la Fondation de musique contemporaine Peter Eötvös. Après avoir terminé son mandat de trois ans en tant que chef principal, il a été nommé chef principal invité de l’Orchestre symphonique de la radio hongroise en 2014. Il a été directeur artistique du Festival et concours international d’opéra Armel entre 2014 et 2019. Pour ses réalisations en tant qu’artiste interprète, il a reçu le prix Gundel Art en 2001, le prix Bartók-Pásztory en 2018 et le prix Artisjus Performing Arts en 2020. M. Vajda est titulaire d’un diplôme DLA en direction d’orchestre. 

Au cours de la saison 2022-23, Vajda a fait ses débuts avec la Staatskapelle de Dresde, en Allemagne, avec le Chicago Philharmonic et le Vancouver Symphony, au Canada, avec le Transilvania Fiharmonia en Roumanie, avec le Plural Ensemble à Madrid, en Espagne.  

gregoryvajda.com

version n°1 du 18/10/2024
Durée de validité de la version n°1 : 1 an renouvelable

Déroulé/contenu de la formation

En amont de la formation	Janvier 2025 > Rencontre entre les participants à la formation, en visioconférence. Janvier à juin 2025 > Sessions collectives entre les compositeurs, compositrices, chanteurs, chanteuses et les encadrants, en visioconférence, toutes les trois semaines environ, entre janvier et juin, avec pour objet la compréhension, la conception et l’élaboration de la forme globale de l’œuvre finale présentée à l’issue de l’Académie. Entre mars et juin 2025 > Échanges individuels entre les compositeurs, les compositrices et les interprètes, pendant l’écriture de leur œuvre. > Un cours individuels entre compositeurs, compositrices et les encadrants compositeurs, pendant l’écriture de l’œuvre, visioconférence. Entre janvier et juillet 2025 > Travail personnel en auto-formation en amont de la formation : composition de l’œuvre pour les compositeurs et compositrices, selon un calendrier précis.	Rencontre collective avec les bénéficiaires, certains intervenants et le responsable pédagogique.  Échanges individuels entre les bénéficiaires et les encadrants.
Semaine 1	Le 8 août > Accueil des participants à la formation : présentation des bénéficiaires, des intervenants, des référents (pédagogique, administratif, logistique) ; > Présentation des lieux ; > Présentation du déroulé de la formation ; > Rappel des compétences visées/objectifs opérationnels. Du 8 au 10 août > Les compositeurs et compositrices reçoivent des cours individuels avec les encadrants compositeurs (1 cours d’une heure par encadrant) et des cours collectifs (1 cours de trois heures par encadrant). Le 11 août > Atelier sur la vocalité individuelle aux XXe et XXIe siècle, avec les compositeurs et compositrices et chanteurs et chanteuses, présenté par Raquel Camarinha et Yoan Héreau. Du 13 au 15 août > Chaque compositeur et compositrice se présente aux autres participants à l’Académie (parcours, démarche, œuvres réalisées, œuvre en cours d’écriture). > Les compositeurs et compositrices s’entretiennent individuellement avec le responsable pédagogique sur leur projet professionnel.	Cette semaine est animée par le référent pédagogique et les encadrants, en présentiel.
Semaine 2	Du 17 au 22 août > Répétitions des œuvres des compositeurs et compositrices sous forme d’ateliers. > Introduction à l’improvisation avec Elaine Mitchener. > Séance collective de management (création d’un ensemble, réseau de la musique contemporaine…). > Bilan de la formation en collectif. > Fenêtre sur cour[s] le 22 août, avec captation audiovisuelle.	Cette semaine est animée par le référent pédagogique et les encadrants, en présentiel.

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher : 10 compositeurs et compositrices
Effectif plafond : 10 compositeurs et compositrices

Objectifs pédagogiques

Connaissances

• Approfondir les connaissances théoriques sur un répertoire spécifique.

Savoir-faire

• Utiliser les spécificités techniques pour créer une œuvre nouvelle et présenter le fruit de ce travail en public lors de la restitution finale.

Savoir-être

• Trouver les meilleures modalités pour partager ses intentions artistiques et intégrer dans son processus d’écriture les limites techniques des interprètes. 
• Partager son projet avec un public lors de la restitution finale. 
• Être capable de s’intégrer à un collectif et de participer de manière active et positive à la démarche collaborative.

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

• Composer une oeuvre intégrant la voix dans un temps donné ;
• Concevoir collectivement un projet et savoir participer à une réflexion commune en l’alimentant de propositions ;
• Communiquer sur son parcours, sa démarche, son travail ;
• Communiquer ses intentions artistiques aux interprètes de son œuvre ;
• Recevoir et intégrer les suggestions des interprètes et d’une poétesse ;
• Intégrer les limites techniques de l’interprétation exprimées par les interprètes et les encadrants.

Méthodes mobilisées

Moyens pédagogiques :

• Cours individuels (2 avec chaque encadrant compositeur) ; 
• Cours collectifs (2 avec chaque encadrant compositeur) ; 
• Séances d’échanges collectives entre les compositeurs et compositrices, les chanteurs et chanteuses et les encadrants ;
• Séances d’échanges individuelles entre les compositeurs et compositrices et les interprètes, avant la remise des œuvres ; 
• Présentation par chaque compositeur ou compositrice de son parcours et de son travail ; 
• Séance collective de management (création d’un ensemble, réseau de la musique contemporaine…) ; 
• Répétitions sous formes d’ateliers ; 
• Restitutions publiques présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle.

Moyens techniques mis à disposition :

• Salles de travail, munies de pupitres et de chaises. 
• En dehors temps de cours, sur la période de la formation, des lieux de travail peuvent être mis à disposition gracieusement, sur demande et dans la limite des disponibilités. 
• Documentation via un google drive privé. 
• Les compositeurs et compositrices auront accès à un photocopieur et disposeront du matériel pour imprimer leur partition complète et les parties séparées (papier, reliures, couverture).

Modalités de suivi et d’évaluation

Pendant la formation en présentiel

Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer rapidement les propositions faites par les intervenants ; ainsi que de sa capacité d’intégration dans le groupe.
L’entretien individuel entre le responsable pédagogique et le bénéficiaire permet l’évaluation et le conseil en termes d’orientation de carrière. 

Sont notamment observées pour le bénéficiaire :

• la capacité à concevoir et réaliser une œuvre équilibrée, originale, utilisant les techniques d’écriture ou les effets de manière contrôlée et équilibrée ;  
• la capacité à communiquer sur son travail, tant au moment des répétitions que des présentations publiques. 

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation

Une attestation de fin de formation mentionnant les objectifs, la nature et la durée de l’action et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au bénéficiaire ainsi que le certificat le cas échéant.

Modalités d’évaluation qualitative

Le bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer les acquis de la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les bénéficiaires sont priés d’informer durant les six mois suivants la fin de la formation des contrats qu’ils auront obtenus. 

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription ou veuillez contacter les référents handicaps.

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Contacts

version n°1 du 18/10/2024
Durée de validité de la version n°1 : 1 an renouvelable

Déroulé/contenu de la formation

En amont de la formation	Janvier 2025 > Rencontre entre les participants à la formation, en visioconférence. Janvier à juin 2025 > Sessions collectives entre les compositeurs et compositrices, les chanteurs et chanteuses et les encadrants, en visioconférence, toutes les trois semaines environ, entre janvier et juin, avec pour objet la compréhension, la conception et l’élaboration de la forme globale de l’œuvre finale présentée à l’issue de l’Académie. > Travail personnel en auto-formation en amont de la formation : analyse et travail des œuvres au programme de la formation pour les interprètes.	Une rencontre collective avec les bénéficiaires, certains intervenants et le responsable pédagogique.
Semaine 1	Du 11 au 15 août > Cours en groupe, travail détaillé sur chaque œuvre,  > Définition des spécificités esthétique et techniques > Travail individuel et/ou collectif Le 11 août matin  Accueil des participants à la formation > présentation des bénéficiaires, des intervenants, des référents (pédagogique, administratif, logistique) ; – présentation des lieux ;  > présentation du déroulé de la formation ; > rappel des compétences visées, objectifs opérationnels. Le 11 août > atelier sur la vocalité individuelle aux XXe et XXIe siècle, présenté par Raquel Camarinha et Yoan Héreau. Du 12 au 15 août >Découverte du répertoire solo contemporain avec Raquel Camarinha et Yoan Héreau, chaque jour, pendant 1h.   > Exploration du répertoire polyphonique avec Mathieu Romano : Cantique des Cantiques de Daniel-Lesur, Madrigaux de Philippe Fénelon, Partita for 8 voices de Caroline Shaw, Cries of London de Luciano Berio, Poèmes chinois de Philippe Hersant et une commande passée au jeune compositeur colombien Fran Barajas, lauréat de l’Académie Voix Nouvelles 2024, avec le soutien de Christine Jolivet Erlih.  Fenêtre sur cour(s) le 15 août à 18h	Accueil en présentiel, avec tous les bénéficiaires de la formation. Rencontre collective avec les bénéficiaires, les intervenants et le responsable pédagogique. Séances animées par les intervenants
Semaine 2	Travail vocal sous forme d’ateliers > vocalité individuelle et collective dans des répertoires de la fin XXe et début XXIe siècle avec Juliet Fraser.  > travail commun avec les Neue Vocalsolisten sur des œuvres écrites par les jeunes compositeurs et compositrices de l’Académie Voix Nouvelles.  > de l’improvisation à la création : travail avec Elaine Mitchener. > improvisation dans un cadre transculturel Fenêtre sur cour[s] le 22 août à 18h	Séances animées par les intervenants. Avec le responsable pédagogique.

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher : 10 artistes
Effectif plafond : 12 artistes

Objectifs pédagogiques

Connaissances

• Avoir une approche critique de l’histoire culturelle de la musique du XX^ème et XXI^ème siècle – transformation des esthétiques et des écritures contemporaines.
• Cultiver le goût de la lecture des œuvres – ouvrir des voies interprétatives reliées à son propre projet.
• Analyser une œuvre (forme, rythme, harmonie…)
• Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
• Comprendre un texte chanté dans sa signification littérale aussi bien que dans son sous-texte
• Intégrer la prononciation des textes chantés dans sa langue maternelle aussi bien que dans des langues étrangères
• Identifier les spécificités du réseau professionnel dans lequel le stagiaire souhaite faire carrière

Savoir-faire

• Répéter avec efficacité un programme dans un temps limité
• Trouver sa place musicalement et humainement dans un groupe
• Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
• Travailler et chercher en bibliothèque musicale : trouver une œuvre précise ou rechercher des d’œuvres méconnues à interpréter, identifier une édition et sa pertinence par rapport à l’œuvre d’un compositeur ou d’une compositrice
• Prendre en compte les informations donnés par un.e musicologue spécialiste d’un répertoire pour affiner son interprétation d’une œuvre
• Définir sa propre interprétation d’une œuvre à partir des conseils transmis par les encadrants
• Affirmer son projet de carrière en définissant les différentes étapes et une stratégie de développement
• Faire connaître son travail auprès du public, de la presse et de professionnels

Savoir-être

• Entendre et comprendre les demandes des encadrants et leurs suggestions musicales
• Exprimer clairement ses intentions musicales et pouvoir les justifier
• Partager son interprétation avec un public lors de la restitution finale
• S’adapter aux exigences d’un répertoire (prononciation, musicalité d’une langue…)
• Tirer les bénéfices des apprentissages des autres participants à la formation
• Identifier toutes les personnes présentes lors de la formation et leurs rôles : artistes encadrants, directeur artistique, administratrice, chargée de production, réceptionniste…

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

• Interpréter un programme musical en polyphonie
• Travailler sur les particularités du répertoire choral des XX^ème et XXI^ème siècles
• Maîtriser des oeuvres solistiques du répertoire contemporain

Méthodes mobilisées

• Cours de groupe théoriques et pratiques donnés par les intervenants.
• Répétitions et temps de recherche des bénéficiaires sans les encadrants pour renforcer l’autonomie dans le travail
• Rencontres avec le directeur artistique pour échanger sur le parcours professionnel du stagiaire

Modalités de suivi et d’évaluation

Pendant la formation en présentiel

• Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer les propositions faites par l’intervenant.
• Pendant la restitution à la fin de la formation : l’interprétation des œuvres devant un public qui permet d’apprécier l’évolution de l’interprétation et la capacité du bénéficiaire à présenter son travail en spectacle.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation

Une attestation de fin de stage mentionnant les objectifs, la nature et la durée de l’action et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au bénéficiaire ainsi que le certificat le cas échéant.

Modalités d’évaluation qualitative

Le bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer les acquis de la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les bénéficiaires sont priés d’informer durant les six mois suivants la fin de la formation des contrats qu’ils auront obtenus. 

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription ou veuillez contacter les référents handicaps.

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Contacts

version n°1 du 18/10/2024
Durée de validité de la version n°1 : 1 an renouvelable

Déroulé/contenu de la formation

En amont de la formation	Janvier 2025 > Rencontre entre les participants à la formation, en visioconférence. > Travail personnel en auto-formation en amont de la formation : analyse et travail des œuvres au programme de la formation pour les interprètes.	Une rencontre collective avec les bénéficiaires, certains intervenants et le responsable pédagogique.
Semaine 1	Le 7 août Matin : accueil des participants à la formation > Présentation des bénéficiaires, des intervenants, des référents (pédagogique, administratif, logistique) ; > Présentation des lieux ;  > Présentation du déroulé de la formation ; > Rappel des compétences visées, objectifs opérationnels. Du 7 au 11 août > Cours en groupe, travail détaillé sur chaque œuvre : Britten AMDG (extraits) ; Ethel Smyth ; Komm süsser Tod ; Hersant, Trois poèmes d’Eichendorff (extraits); Rautavaara, Lorca Suite (extraits)  > Définition des spécificités esthétiques et techniques > Travail individuel et/ou collectif Les 7 et 8 août > Travail avec l’ensemble Aedes (12 chanteurs) encadré par Mathieu Romano : Brahms, Warum ; Martin, Messe à double-chœur : Kyrie et Sanctus Les 9 et 10 août > Travail avec l’ensemble Aedes (12 chanteurs) et les 12 chanteurs lauréats, encadré par Mathieu Romano : une commande ; -Hersant, Poèmes Chinois (extraits) ; Berio, Cries of London (extraits) Le 11 août > Journée de théorie, d’écoute et de lecture de partition sur la vocalité individuelle aux XXe et XXIe siècle, présentée par Raquel Camarinha et Yoan Héreau.	Accueil en présentiel, avec tous les bénéficiaires de la formation. Rencontre collective avec les bénéficiaires, les intervenants et le responsable pédagogique. Séances animées par les intervenants

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher : 5 chefs
Effectif plafond : 6 chefs

Objectifs pédagogiques

Connaissances

• Avoir une approche critique de l’histoire culturelle de la musique du 20^ème et du 21^ème siècle – transformation des esthétiques et des écritures contemporaines.
• Cultiver le goût de la lecture des œuvres – ouvrir des voies interprétatives reliées à son propre projet.
• Analyser une œuvre (forme, rythme, harmonie…)
• Comprendre un texte chanté dans sa signification littérale aussi bien que dans son sous-texte
• Intégrer la prononciation des textes chantés dans sa langue maternelle aussi bien que dans des langues étrangères
• Identifier les spécificités du réseau professionnel dans lequel le bénéficiaire souhaite faire carrière

Savoir-faire

• Répéter avec efficacité un programme dans un temps limité
• Trouver sa place musicalement et humainement dans un groupe
• Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
• Travailler et chercher en bibliothèque musicale : trouver une œuvre précise ou rechercher des d’œuvres méconnues à interpréter, identifier une édition et sa pertinence par rapport à l’œuvre d’un compositeur ou d’une compositrice
• Prendre en compte les informations donnés par un.e musicologue spécialiste d’un répertoire pour affiner son interprétation d’une œuvre
• Définir sa propre interprétation d’une œuvre à partir des conseils transmis par les encadrants
• Affirmer son projet de carrière en définissant les différentes étapes et une stratégie de développement
• Faire connaître son travail auprès du public, de la presse et de professionnels

Savoir-être

• Entendre et comprendre les demandes des encadrants et leurs suggestions musicales
• Exprimer clairement ses intentions musicales et pouvoir les justifier
• Communiquer avec bienveillance aux artistes avec lesquels on joue les difficultés relationnelles que l’on peut rencontrer
• Partager son interprétation avec un public lors de la restitution finale
• S’adapter aux exigences d’un répertoire (prononciation, musicalité d’une langue…)
• Tirer les bénéfices des apprentissages des autres participants à la formation
• Identifier toutes les personnes présentes lors de la formation et leurs rôles : artistes encadrants, directeur artistique, administratrice, chargée de production, réceptionniste…

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

• Diriger un programme musical en polyphonie
• Travailler sur les particularités du répertoire choral des XX^ème et XXI^ème siècles

Méthodes mobilisées

• Cours de groupe théoriques et pratiques donnés par les intervenants.
• Répétitions et temps de recherche des bénéficiaires sans les encadrants pour renforcer l’autonomie dans le travail
• Rencontres avec le directeur artistique pour échanger sur le parcours professionnel du bénéficiaire

Modalités de suivi et d’évaluation

Pendant la formation en présentiel

• Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer les propositions faites par l’intervenant.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation

Une attestation de fin de stage mentionnant les objectifs, la nature et la durée de l’action et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au bénéficiaire ainsi que le certificat le cas échéant.

Modalités d’évaluation qualitative

Le bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer les acquis de la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les bénéficiaires sont priés d’informer durant les six mois suivants la fin de la formation des contrats qu’ils auront obtenus. 

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription ou veuillez contacter les référents handicaps.

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Contacts