Académie Voix Nouvelles 2023

Philippe Leroux est né en 1959 à Boulogne sur Seine (France). En 1978, il entre au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans les classes d’Ivo Malec, Claude Ballif, Pierre Schäeffer et Guy Reibel où il obtient trois premiers prix.

Durant cette période, il étudie également avec Olivier Messiaen, Franco Donatoni, Betsy Jolas, Jean-Claude Eloy et Iannis Xénakis.

En 1993, il est nommé pensionnaire à la Villa Médicis (prix de Rome) où il séjourne jusqu’en octobre 1995.

La musique de Philippe Leroux, toujours très vivante et souvent pleine de surprises, est marquée par un usage original de gestes sonores frappants qui s’organisent en un riche réseau relationnel.

Il est l’auteur de plus de quatre-vingts œuvres symphoniques, vocales, avec dispositifs électroniques, musique de chambre et acousmatiques. Celles-ci lui ont été commandées par le Ministère français de la Culture, l’Orchestre Philharmonique de Radio-France, la Südwestfunk de Baden Baden, l’Orchestre National de Lorraine, l’Orchestre Philharmonique de Nice, l’IRCAM, Le Conseil des Arts du Canada, l’Ensemble Intercontemporain, l’Ensemble Moderne de Montréal, Les Percussions de Strasbourg, l’INA-GRM, l’ensemble Avanta, l’Ensemble Court-Circuit, l’Ensemble 2e2m, le Nouvel Ensemble Moderne de Montréal, l’Ensemble Ictus, les Solistes XXI, le Festival Musica, l’ensemble BIT 20, la fondation Koussevitsky, l’Ensemble San Francisco Contemporary Music Players, l’ensemble Athelas, le CIRM, INTEGRA, Le Festival Berlioz, ainsi que par d’autres institutions françaises et étrangères.

Il vient de créer en 2022 son premier opéra, L’annonce faite à Marie.

Ses œuvres sont jouées et diffusées dans de nombreux pays: Festival de Donaueschingen, Festival Présences de Radio-France, Festival Agora, Biennale de Venise, Festival de Bath, Festival Musica, Journées de l’ISCM de Stokholm, Festival MNM de Montréal, Festival Musiques en Scènes de Lyon, Festival Manca, Festival de Bergen, Festival Ultima d’Oslo, Tage für Neue Musik de Zürich, BBC Symphony Orchestra, Orchestre de la Tonhalle de Zürich, BBC Scottish Symphony Orchestra, Philharmonia Orchestra, Philharmonie Tchèque, Orchestre Philharmonique de Lorraine, Orchestre Symphonique de Québec, Klangforum Wien…

Il a reçu de nombreux prix : prix Hervé Dugardin, prix de « la meilleure création musicale contemporaine de l’année 1996 » pour son œuvre « (d’)ALLER », prix SACEM des compositeurs , prix André Caplet et Nadia et Lili Boulanger, prix de composition 2015 de la Fondation Simone et Cino del Duca de l’Académie des Beaux-Arts de l’Institut de France, prix Paul et Mica Salabert pour son œuvre Apocalypsis, et le prix Arthur Honegger de la Fondation de France pour l’ensemble de son œuvre. En 2015, il est nommé membre de la Société Royale du Canada, l’Académie des beaux-arts de l’Institut de France lui attribue le Prix de composition musicale de la Fondation Simone et Cino Del Duca, et son disque Quid sit Musicus reçoit le Grand Prix du Disque 2015 décerné par l’Académie Charles Cros.

Il a publié plusieurs articles sur la musique contemporaine et donné des conférences et cours de composition dans des lieux tels que l’Université de Berkeley Californie, Harvard, le Conservatoire Tchaïkovsky de Moscou, la Grieg Academie de Bergen, l’Université Columbia à New-York, le Conservatoire Royal de Copenhague, L’Université catholique de Santiago du Chili, la Fondation Royaumont, l’IRCAM, le Conservatoire Américain de Fontainebleau, les Conservatoires Nationaux supérieurs de Musique de Paris et de Lyon, le domaine Forget au Québec, Georgia Institute of Technology à Atlanta… De 2001 à 2006 il a enseigné la composition à l’IRCAM dans le cadre du cursus d’informatique musicale et en 2005/2006 à l’université McGill de Montréal (Canada) dans le cadre de la Fondation Langlois. De 2007 à 2009, il a été en résidence à l’Arsenal de Metz et à l’Orchestre National de Lorraine, puis de 2009 à 2011, professeur invité à l’Université de Montréal (UdeM). Depuis septembre 2011 il est professeur agrégé de composition à la Schulich School of Music à l’université McGill, où il dirige également le Digital Composition Studio. Il est actuellement en résidence à l’ensemble MEITAR à Tel-Aviv.

Sa discographie comporte une trentaine de Cds dont cinq monographies.

Décrite comme « une compositrice à suivre » (France Musique), Diana Soh est l’une des jeunes artistes les plus passionnantes d’aujourd’hui. Compositrice singapourienne pluridisciplinaire basée à Paris, elle a écrit pour un large éventail d’instruments et de disciplines, de la musique de chambre à l’orchestre, en passant par la danse, le cinéma, la musique chorale et vocale, ainsi que des œuvres multimédias spécifiques à un site.

L’intérêt musical de Diana vise à explorer l’interactivité des performances et à obtenir des couleurs sonores spécifiques à partir d’une collaboration intime avec les interprètes. Connue pour son intérêt pour le théâtre et l’intégration de l’utilisation de la technologie, elle surprend souvent son public et trouve des moyens uniques d’aborder les questions sociales de notre époque dans son travail et « composer contre l’habitude » (Concert Classic). Parmi les œuvres marquantes, citons A is for Aiyah avec la soprano Elise Chauvin en tant que soliste, qui a été créée à Singapour par l’Orchestre symphonique de Singapour (2018), ainsi que son quatuor à cordes sssh avec le Quatuor Mettis au Festival d’Aix en Provence (2018). Diana a également écrit le monodrame « Zylan ne chantera plus » avec l’écrivain Yann Verburgh et mis en scène par Richard Brunel dans le cadre de l’initiative  » Opéra de Lyon – hors les murs « . Il a été créé en novembre 2021, peu de temps après la première du duo d’alto « My other self » de Diana au Grand Théâtre de Provence dans le cadre du festival  » Nouveaux Horizons « .

Les saisons à venir la voient poursuivre son aventure dans le monde du théâtre musical avec deux opéras : Tragic Ways of Killing a Woman, qui sera créé au Festival Aix en Provence à l’été 2023, et The Carmen Case au TAP (Poitiers) en mai 2023, une co-commande de La Chapelle Musicale, de la Fondation Gulbenkian et du Théâtre du Luxembourg et de l’ensemble Ars Nova. Son exploration de l’écriture vocale se poursuit avec Tu es Magique pour la Maîtrise de Radio France dans le cadre du Festival Présences 2022 et une commande pour le chœur Sequenza 93 dans le cadre des Jeux olympiques de Paris 2024. D’autres projets incluent une pièce pour voix solo, La Ville-Zizi, pour Laura Bowler et Chalkmalks. Diana travaillera également sur un solo d’orgue commandé par la Philharmonie de Paris pour Thomas Lacôte ainsi que sur une pièce pour ensemble de chambre et électronique intitulée Of the spaces between pour l’Ensemble Æquilibrium à Singapour.

Depuis qu’elle s’est établie à Paris, Diana a été compositrice en résidence pendant deux ans (2012-13) au Centre national de la création – La Muse en Circuit, qui s’est conclu par un concert monographique d’une heure de ses œuvres lors du Festival Extension 2013. En 2019, elle a été compositrice en résidence avec l’ensemble Divertimento et a publié son premier CD monographique, Still, Yet, And Again, sous le label italien Stradivarius. Ses œuvres ont été diffusées à l’échelle internationale sur WDR, ORF, Danish Broadcasting Corporation, BBC Radio 3 et France Musique. Elles ont été interprétées par des ensembles tels que l’Ensemble Court-Circuit, le Klangforum Wien, le Quatuor Arditti, l’Orchestre symphonique de Singapour, l’Athelas Sinfonietta Copenhagen, l’Ensemble BIT20, le Quatuor Mettis, le Quatuor Adastra, les SYC Ensemble Singers, Les Métaboles, l’Ensemble Berlin PianoPercussion, l’Ensemble Phoenix Basel, E-MEX Ensemble, Trio KDM, Helsinki Chamber Choir, Ensemble Multilatérale, Ensemble Lucillin, Schallfeld Ensemble, Ensemble 2E2M, et défendue par la flûtiste Emmanuelle Ophèle et la soprano Elise Chauvin, ainsi que par des chefs d’orchestre tels que Jean Deroyer, Pierre-André Valade et Sandro Gorli.

Diana Soh a étudié au Conservatoire Yong Siew Toh de Singapour avec Peter Edwards et Ho Chee Kong, à l’Université de Buffalo avec Jeff Stadelman, David Felder et Tony Arnold (direction d’orchestre), et à l’IRCAM avec Mauro Lanza. Elle a également participé à des masterclasses et des ateliers avec Péter Eötvös, Wolfgang Rihm, Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhough, Isabel Mundry, Misato Mochizuki et Beat Furrer.

Diana est lauréate du prix des jeunes artistes 2015 du Conseil national des arts de Singapour et du concours de composition Impuls 2017. Elle a reçu des commandes de plusieurs institutions et festivals prestigieux, dont le Barlow Endowment for Music, le Festival d’Aix en Provence, l’IRCAM, le ministère de la Culture français et la Fondation Abbaye de Royaumont, et le Klang Festival Copenhagen, entre autres.

Diana Soh a participé en tant de stagiaire à la Session de composition Voix Nouvelles en 2017 et a créé The Nature of Things (Les Métaboles) en 2018 au Festival de Royaumont.

Du Yun, née et élevée à Shanghai, en Chine, et actuellement basée à New York, travaille à l’intersection de l’opéra, de l’orchestre, du théâtre, du cabaret, de la musique, de la tradition orale, des performances publiques, de l’électronique, des arts visuels et du bruit.  Son œuvre est défendue par certains des meilleurs groupes et organisations de spectacle du monde entier.

Connue pour son « originalité implacable et sa conscience sociale sans faille » (The New Yorker), le deuxième opéra de Du Yun, Angel’s Bone (livret de Royce Vavrek), a remporté le prix Pulitzer de musique 2017. Elle a été nominée pour un Grammy Award dans la catégorie meilleure composition classique pour son œuvre Air Glow. Son opéra Sweet Land, créé en collaboration avec Raven Chacon (pour la compagnie d’opéra The Industry), a été élu meilleur nouvel opéra par la North America Critics Association en 2021. Quatre de ses albums studio ont été nommés « Notable Recordings of the Year » par The New Yorker, respectivement en 2018, 2019, 2020 et 2021.

Championne de la communauté, Du Yun a été membre fondateur de l’International Contemporary Ensemble ; elle a été directriceartistique du MATA Festival (2014-2018) ; elle a conçu le Pan Asia Sounding Festival (National Sawdust) ; et elle a fondé FutureTradition, une initiative mondiale qui éclaire les lignées de provenance de l’art populaire et utilise ces structures pour construire des collaborations interrégionales à partir de la base. Du Yun a été nommée l’une des 38 grandes immigrations par la Fondation Carnegie (2018), « artiste de l’année » par le Festival de musique de Pékin (2019). En 2022, elle a reçu un Creative Capital Award pour un projet de Kun-opéra AR intergénérationnel. L’Asia Society Hong Kong l’a honorée pour sa contribution continue dans le domaine des arts du spectacle. Parmi ses autres récompenses notables, citons le Guggenheim, le prix Berlin de l’Académie américaine, la Fondation Fromm et la Fondation pour les arts contemporains.

En tant qu’interprète et chef d’orchestre (Ok Miss), sa personnalité sur scène a été décrite par le New York Times comme « une diva de l’indie pop avec un côté avant-gardiste ».Du Yun est professeur de composition à l’Institut Peabody, et professeur invité distingué au Conservatoire de musique de Shanghai. Sa musique de concert est publiée dans le monde entier par G.Schirmer.

Créé en 1991 par le compositeur Philippe Hurel et le chef d’orchestre Pierre-André Valade, Court-circuit s’est affirmé d’emblée comme un ensemble de premier ordre. Son engagement toujours fort en faveur de la création musicale contemporaine est le ciment véritable de l’ensemble et c’est aux musicien.ne.s et à leur chef Jean Deroyer que Court-circuit doit son identité nerveuse, rythmique, incisive.

Plus que jamais fidèle à la forme « concert », Court-circuit est invité par les institutions et les festivals internationaux les plus prestigieux (Ircam, Radio-France, Fondation Royaumont, Biennale de Venise, Festival Musica, Traiettorie, Musica electronica nova, June in Buffalo, Montréal Musiques Nouvelles, December nights S.Richter, soundfestival, Musikagileak… )

Par ailleurs, Court-circuit s’implique dans des projets pluridisciplinaires qui excèdent la sphère de la musique contemporaine (opéra, ciné-concert, danse, …). Après avoir collaboré avec l’Opéra de Paris pour des créations chorégraphiques, l’ensemble crée des opéras de chambre en partenariat avec le Théâtre des Bouffes du Nord (The Second Woman – Grand Prix de la critique – et Mimi, opéras de Frédéric Verrières mis en scène par Guillaume Vincent), l’Opéra Comique et l’Opéra de Lille (La princesse légère, opéra de Violeta Cruz mis en scène par Jos Houben – création 2017) et l’Opéra de Massy-Palaiseau (Le premier cercle, opéra de Gilbert Amy mis en scène par Lukas Hemleb).

Court-circuit affirme son intérêt pour la transmission en collaborant ponctuellement avec le CNSMDP et régulièrement avec les conservatoires d’Ile-de-France. En 2012, l’ensemble s’implante dans les Hauts-de-Seine. En 2014-15, il est en résidence au Conservatoire de Gennevilliers, avant d’être accueilli à partir de 2015-16 en résidence pluriannuelle au Théâtre de Vanves et à partir de 2021 à Courbevoie.

Aux côtés des ensembles 2e2m, Cairn, Multilatérale et Sillages, Court-circuit fonde en 2020 le festival Ensemble(s) dédié aux musiques contemporaines écrite dont la troisième édition s’est tenue en 2022 au Théâtre l’Échangeur de Bagnolet.

La discographie de Court-circuit est riche d’une quinzaine d’enregistrements. Plusieurs fois Coup de cœur de l’Académie Charles Cros, ces CDs ont été distingués par de nombreuses récompenses (Choc du Monde de la Musique, Diapason d’or, 10 de Répertoire…).

Chef d’orchestre français né en 1979, Jean Deroyer intègre le Conservatoire national supérieur de Musique de Paris à l’âge de quinze ans où il obtient cinq premiers prix. Jean Deroyer a notamment été invité à diriger le NHK Symphony Orchestra, le Radio Sinfonie Orchester Wien, le SWR Orchester Baden-Baden, le Radio Sinfonie Orchester Stuttgart, le Deutsches Sinfonie Orchester, les Orchestres Philharmoniques du Luxembourg et de Monte-Carlo, le Sinfonia Varsovia, l’Orchestre de Paris, l’Orchestre national de Lille, l’Orchestre national de France, l’Orchestre Philharmonique de Radio-France, l’Orchestre national de Lyon, l’Ensemble Intercontemporain, l’ensemble Modern et le Klangforum Wien dans des salles telles que le Konzerthaus de Vienne, la Philharmonie de Berlin, la Philharmonie de Paris, le Tokyo Opera City et le Lincoln Center à New-York.

En août 2007, il se produit dans Gruppen de Stockhausen — pour trois orchestres et trois chefs — dans le cadre du festival de Lucerne avec Peter Eötvös et Pierre Boulez. En septembre 2007, il est invité à diriger l’Orchestre de Paris et retrouve cet orchestre à plusieurs reprises lors des saisons suivantes. Par ailleurs, il enregistre de nombreux disques avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo et l’Orchestre National d’Île-de-France pour des labels tels que EMI Music et Naïve ou pour Radio-France.

En 2008, Jean Deroyer succède à Pierre-André Valade à la direction musicale de l’ensemble Court-circuit.

Artiste en résidence à Royaumont (2021-2024)

* 2021 : concert Countless et concert Stimmung au Festival de Royaumont ; 2022 : Académie Voix Nouvelles ; Concert-rencontre : le duo piano voix renouvelé, avec Magdalena Cezero dans le cadre des Dimanches à Royaumont.

Johanna Vargas compte parmi les sopranos les plus polyvalentes et les plus recherchées dans le domaine de la musique contemporaine. En 2020, la soprano colombienne s’est produite avec les Neue Vocalsolisten Stuttgart aux côtés de l’Orchestre philharmonique de Berlin sous la direction de Sir Simon Rattle. Membre des Vocalsolisten depuis 2020, elle a également participé régulièrement à des festivals de musique contemporaine de renommée internationale, se produisant sous la baguette de Dennis Russell Davies à Naples, avec Peter Rundel et l’Ensemble Musikfabrik à Cologne, à la ManiFeste IRCAM à Paris, avec l’Ensemble Recherche aux Journées de musique de chambre contemporaine de Witten, et étant une habituée du Festival ECLAT de musique contemporaine de Stuttgart.

Forte d’une formation complète et d’une expérience dans des genres allant du bel canto à la musique pop, Johanna Vargas commande une gamme d’expressions vocales qui lui ont apporté un succès critique, populaire et compétitif dès son plus jeune âge. En 2015, elle a reçu le prix d’interprétation Hanns Eisler à Berlin, suivi en 2018 du prix John Cage à Halberstadt et d’une bourse d’interprète à NUNC!3, la troisième édition de la conférence et du festival de musique nouvelle de la Northwestern University (NUNC) à Chicago.

La beauté vocale et la virtuosité de la colorature de Johanna Vargas s’accompagnent d’une présence physique et d’un jeu d’acteur irrésistibles, aussi à l’aise dans les environnements théâtraux et expérimentaux que dans les exigences nuancées de la musique de chambre et du solo en salle de concert.

Cette polyvalence l’a conduite à se produire avec le SWR Vokalensemble au Festspiel de Salzbourg, au festival biennal de musique contemporaine de Francfort et au Musikfest de la Philharmonie de Berlin, ainsi qu’avec l’Ensemble Cantando au Teatro Colón de Buenos Aires. Vargas donne la parole à sa propre initiative artistique en se produisant régulièrement en tant que moitié du duo LAB51, en partenariat avec la pianiste Magdalena Cerezo. La riche expérience de Vargas en matière d’opéra et de théâtre musical souligne sa polyvalence en tant qu’artiste de scène, couvrant toute la gamme des périodes et des styles, du répertoire classique au moderne. En 2020, elle s’est produite dans Irrgarten dans le cadre de la série « Aus dem Home Studio » (Du Home Studio) des Neue Vocalsolisten, et dans Frame de Malte Giessen dans le cadre du festival Eclat de Stuttgart.

En 2018, elle a joué dans l’opéra Begehren (Désir) de Beat Furre au Teatro Colón, à Buenos Aires. Son expérience du répertoire d’opéra classique comprend les rôles-titres de Hänsel und Gretel de Humperdinck et Rodelinda de Haendel, ainsi que Zerlina dans Don Giovanni de Mozart, Miss Jessel dans The Turn of the Screw de Britten, et la sorcière dans Dido and Æneas de Purcell.

Johanna Vargas a travaillé avec des artistes de renom tels que Sir Simon Rattle, Emilio Pomárico, Peter Rundel, Marcus Creed, Beat Furrer, Hans-Joachim Hespos, Bernhard Lang, Johannes Kreidler, Carola Bauckholt, Hans-Joachim Hespos, Wolfgang Rihm, Malte Giessen, Juliana Hodkinson, Sarah Maria Sun, Donatienne Michel-Dansac, Andreas Eduardo Frank, Julia Mihaly, Thomas Hampson, Evelyn Tubb et Anthony Rooley, ainsi qu’avec de nombreux ensembles de musique contemporaine de premier plan, dont l’Ascolta Ensemble, l’Ensemble Recherche et l’Ensemble Musikfabrik. Les fruits de ces collaborations, dont beaucoup sont des premières mondiales, peuvent être entendus dans les nombreux enregistrements de Vargas sur CD et à la radio (Deutschlandfunk Kultur, WDR, Naxos, SWR).

Johanna Vargas est diplômée de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, de l’Université des Arts de Brême et des Universités de Musique de Karlsruhe et de Stuttgart. Elle a étudié auprès d’artistes de premier plan tels que Hartmut Höll, Mitsuko Shirai, Angelika Luz et Georg Nigl. Depuis 2018, elle donne des cours de performance vocale contemporaine à l’université de musique de Karlsruhe.

Yaron Deutsch (Tel Aviv, 1978), est un guitariste principalement connu pour son travail dans le domaine de la musique contemporaine (classique). Il est le fondateur et le directeur artistique du quatuor de chambre NIKEL et est fréquemment invité par les meilleurs groupes et orchestres européens dédiés à la musique contemporaine. Il joue le plus souvent avec les célèbres ensembles Klangforum Wien et Musikfabrik.

En tant que soliste, il s’est produit avec l’Israeli Philharmonic, le Los Angeles Philharmonic, le Luzerner Sinfonieorchester, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, le Radio-Symphonieorchester Wien, le Sinfonica Nazionale della Rai (Turin) et le SWR Symphonieorchester, sous la direction de chefs d’orchestre : Sylvain Camberling, Titus Engl, Peter Eötvös, Zubin Mehta, Emilio Pomàrico, Peter Rundel, Ilan Volkov et Bas Wiegers, entre autres.

Ses enregistrements sont disponibles sur les labels Col Legno, Kairos, Neos, Sub Rosa et Wergo.

En dehors de ses activités performatives, il est professeur de musique contemporaine à l’Université de musique de Bâle (Hochschule für Musik FHNW / Sonic Space Basel) et tuteur de guitare aux cours d’été internationaux de Darmstadt.

Il dirige également le Festival international de musique de chambre contemporaine de Tel Aviv – « Tzlil Meudcan » (en hébreu : « Updated Tone »).

version n°1 du 25/01/2023

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher :
10 compositeurs / compositrices
8 interprètes : flûtes, clarinettes, hautbois, violon, alto, violoncelle, piano, chef d’orchestre

Effectif plafond :
10 compositeurs / compositrices
9 interprètes : flûtes, clarinettes, hautbois, violon, alto, violoncelle, piano,chef d’orchestre

Pré-requis et conditions d’accès à la formation

Jeunes compositeurs / compositrices / interprètes professionnels en cours d’études supérieures ou justifiant d’une expérience professionnelle.
Les participants s’engagent formellement à suivre l’intégralité de la formation, soit 15 jours (compositeurs / compositrices) ou 8 jours (interprètes).
Avoir un bon niveau d’anglais à l’oral. Les conditions d’accès sont transmises pendant la formation.

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

Pour les compositeurs / compositrices

• Composer une œuvre nouvelle pour un effectif artistique et dans un temps donnés ;
• Communiquer sur son parcours, sa démarche, son œuvre ;
• Communiquer ses intentions artistiques aux interprètes de son œuvre ;
• Intégrer les limites techniques d’interprétation de l’œuvre exprimées par les interprètes.

Pour les interprètes

• Être familier avec les caractéristiques des langages d’œuvres musicales contemporaines ;
• Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser ;
• Connaître les techniques étendues et leur notation ;
• Construire un programme de concert cohérent avec un minutage donné ;
• Être capable de concevoir un planning de répétitions cohérent et efficace ;
• Répéter avec efficacité un programme dans un temps limité ;
• Trouver sa place musicalement et humainement dans un groupe ;
• Intégrer les intentions artistiques données par un compositeur / une compositrice pour affiner l’interprétation de son œuvre ;
• Percevoir les limites techniques d’interprétation d’une œuvre au compositeur / à la compositrice ; être capable de les formuler ;
• Être capable de comprendre la pensée du compositeur et de faire des propositions, en cas de blocage ou de difficulté ;
• Faire connaître son travail auprès du public, de la presse et de professionnels.

Objectifs pédagogiques

Connaissances

• Approfondir les connaissances théoriques sur un répertoire spécifique

Savoir-faire

• Utiliser les spécificités techniques pour créer une œuvre nouvelle et présenter le fruit de ce travail en public lors de la restitution finale

Savoir-être

• Trouver les meilleures modalités pour partager ses intentions artistiques et intégrer dans son processus d’écriture les limites techniques des interprètes
• Partager son projet avec un public lors de la restitution finale

Déroulé/contenu de la formation

Méthodes mobilisées

Moyens pédagogiques

Compositeurs

• Cours individuels (2 avec chaque intervenant compositeur.trice) ;
• Cours collectifs (2 avec chaque intervenant compositeur.trice) ;
• Séances d’échanges en vidéoconférence entre l’ensemble, les solistes professionnels invités et les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
• Présentation par chaque compositeur.trice de son parcours et de son travail ;
• Certains instruments spécifiques bénéficieront d’une présentation spécifique, en vidéoconférence, par les instrumentistes et chanteurs professionnels invités afin de faciliter le processus d’écriture ;
• Séance collective de management (création d’un ensemble, réseau de la musique contemporaine…) ;
• Répétitions sous formes de workshops ;
• Concerts publics présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle.

Interprètes

Les interprètes sélectionnés travaillent en musique de chambre et ensemble dirigé un répertoire de classiques XXe et XXIe siècle et aussi sur le catalogue des compositeurs en résidence. Ils bénéficient de :

• Cours individuels avec les musiciens de l’ensemble invité ;
• Séances de travail collectif supervisées ;
• Répétions collectives et individuelles ;
• Séance collective de management (création d’un ensemble, réseau de la musique contemporaine…) ;
• Répétitions sous formes de workshops ;
• Concerts publics présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle.

Moyens techniques mis à disposition

• Salles de travail, munies de pupitres et de chaises.
• En dehors temps de cours, sur la période de la formation, des lieux de travail peuvent être mis à disposition gracieusement, sur demande et dans la limite des disponibilités.
• Documentation via un google drive privé.
• Les compositeurs / compositrices auront accès à un photocopieur et disposeront du matériel pour imprimer leur partition complète et les parties séparées (papier, reliures, couverture).
• Les bénéficiaires apportent :
• leurs propres instruments (sauf percussions, pianos, orgue et autres instruments particulièrement volumineux fournis par le lieu de formation) ;
• les partitions qui ne sont pas fournies par le lieu de formation.

Modalités de suivi et d’évaluation

Avant la formation

Sélection définitive sur dossier d’inscription, via la plateforme Ulysses, par le directeur pédagogique, par un questionnaire qui permet d’identifier les besoins du bénéficiaire.
Évaluation du niveau professionnel par la biographie, le CV, les partitions et enregistrements demandés.

Pendant la formation en présentiel

Pendant la formation en présentiel : évaluation par le travail pratique du stagiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer rapidement les propositions faites par les intervenants ; ainsi que de sa capacité d’intégration dans le groupe.

Pendant la présentation à la fin de la formation : l’interprétation d’une ou plusieurs œuvres en situation réelle devant un public permet d’apprécier l’évolution de l’interprétation, ainsi que les postures émotionnelles et physiques.

L’entretien permet l’évaluation et le conseil en termes d’orientation de carrière.

Sont notamment observées pour le bénéficiaire :

Pour les compositeurs : 

• la capacité à concevoir et réaliser une œuvre équilibrée, originale, utilisant les techniques d’écriture ou les effets de manière contrôlée et équilibrée ; 
• la capacité à communiquer sur son travail, tant au moment des répétitions que des présentations publiques.

Pour les interprètes :

• la qualité de l’aisance corporelle et gestuelle ;
• la justesse de l’interprétation et du travail accompli en termes de pratique d’ensemble ;
• la prise en compte de la configuration spatiale et acoustique du lieu ;
• la qualité de la relation au public.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation :

Une attestation de fin de formation mentionnant la nature, les objectifs, la durée de formation et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au bénéficiaire.
Le bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les bénéficiaires sont priés d’informer durant les mois suivants la fin de la formation des opportunités professionnelles qu’ils auront obtenues.
Certains des participants se verront attribuer une commande professionnelle, rémunérée et faisant intervenir les partenaires de la Fondation.

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription.

• Salles et chambres accessibles par ascenseur.
• Equipement écran et enceintes amplifiées
• Restauration au rez-de-chaussée

Référent pédagogique

Jean-Philippe Wurtz, directeur artistique du pôle Création musicale
jp.wurtz@royaumont.com

Référent administratif

Samuel Agard, administrateur du pôle Création musicale
s.agard@royaumont.com

Référents handicap

Samuel Agard et Doriane Trouboul
referenthandicap@royaumont.com