Campus 2027 : Voix nouvelles

Diana Soh développe une œuvre qui explore les relations entre son, geste, espace, corps et perception. Sa pratique se caractérise par une attention particulière à l’interactivité de la performance et à la manière dont la collaboration étroite avec les interprètes peut devenir un moteur de création.

Son catalogue couvre un large éventail de formations, de la musique soliste et de chambre à l’orchestre, ainsi que des projets associant musique, théâtre, danse, cinéma et arts visuels. Elle développe également des œuvres pensées pour des lieux et des situations de représentation spécifiques.

Son travail témoigne d’une volonté de « composer contre l’habitude » : déplacer les usages conventionnels des instruments, interroger les comportements d’écoute et créer des situations où le geste de l’interprète et la perception du public deviennent partie intégrante de l’œuvre.

Mark Andre est un compositeur français dont la musique porte une attention particulière aux phénomènes de seuil : entre son et bruit, apparition et disparition, présence et silence, perception et écoute.

Formé notamment auprès de Claude Ballif et Gérard Grisey au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, puis marqué par son travail auprès de Helmut Lachenmann à Stuttgart, il développe depuis les années 1990 une œuvre profondément centrée sur la matière sonore, les micro-événements, les phénomènes de résonance et les transformations de l’écoute. Son parcours associe également une recherche musicologique consacrée notamment à l’Ars subtilior.

Dans ses œuvres, le son est moins considéré comme une matière stable que comme un phénomène fragile, en transformation permanente, dont l’apparition, la propagation, l’effacement et les traces deviennent des éléments de la composition.

https://www.wisemusicclassical.com/composer/5626/Mark-Andre/
https://soundcloud.com/mark-andre

Lucile Dollat est une organiste et improvisatrice française. Après des études au Conservatoire de Saint-Maur-des-Fossés auprès d’Éric Lebrun et de Pierre Pincemaille, elle intègre le Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, où elle se forme auprès d’Olivier Latry, Michel Bouvard, Thierry Escaich, László Fassang, Fabien Waksman et Jean-Baptiste Courtois. Elle y obtient en 2020 un Master d’orgue-interprétation, puis, en 2021, une Licence d’improvisation à l’orgue et un Master d’écriture, avec les plus hautes distinctions.

Lauréate de plusieurs concours internationaux, notamment du Grand Prix et du Prix du Public du Concours André-Marchal – Gaston-Litaize en 2017, Lucile Dollat mène une carrière de concertiste en France et à l’étranger. Elle se produit aussi bien en soliste qu’avec de grandes formations, notamment l’Ensemble Intercontemporain et les orchestres de Radio France. Artiste en résidence à Radio France et à la Fondation Royaumont, elle défend un répertoire allant de la musique ancienne à la création contemporaine. Elle est également professeure d’harmonisation au clavier au CNSMD de Paris et co-titulaire de l’orgue Cavaillé-Coll de Saint-Maurice de Bécon.

https://www.luciledollat.fr/

Florentin Ginot est contrebassiste, soliste et membre de l’Ensemble Musikfabrik depuis 2015. Son activité est particulièrement marquée par la création contemporaine et par un travail approfondi avec les compositeurs, qui l’a conduit à contribuer au développement d’un nouveau répertoire pour la contrebasse. Il collabore notamment avec Georges Aperghis, György Kurtág, Rebecca Saunders et Helmut Lachenmann.

Il se consacre également au répertoire soliste et à l’invention de nouvelles formes scéniques. Curieux des croisements entre les disciplines, il fonde en 2017 la compagnie HowNow, dont il assure la direction artistique, qui développe des formes scéniques associant musique de création, danse, théâtre et cirque contemporain. Cette démarche prolonge son intérêt pour le rapport entre le corps, l’instrument, l’espace et la scène.

Son travail de soliste témoigne ainsi d’une volonté d’ouvrir les frontières de la contrebasse, tant par l’exploration de son répertoire et de ses possibilités sonores que par le dialogue avec d’autres disciplines artistiques.

https://florentinginot.com/

Ninon Hannecart-Ségal est pianiste et claveciniste. Révélation classique de l’Adami en 2021 et artiste en résidence à la Fondation Royaumont, elle développe une pratique de claviériste particulièrement ouverte aux répertoires, aux instruments et aux formats de concert.

Son activité associe musique ancienne, création contemporaine, improvisation et musique de chambre. Son intérêt pour le clavecin moderne, notamment le clavecin Sidey de Royaumont, l’amène à interroger les possibilités de cet instrument au-delà du répertoire historique et à explorer ses ressources timbrales et expressives dans des contextes contemporains.

Elle collabore régulièrement avec des ensembles et des artistes de différentes générations et développe également des formats de concert qui mettent en jeu plusieurs instruments et différentes manières d’écouter et de percevoir le clavier.

https://ninonhannecartsegal.fr/

Marcus Weiss est l’une des figures majeures du saxophone contemporain. Depuis plusieurs décennies, il contribue activement à faire du saxophone un instrument de création et de recherche, en développant un vaste répertoire de pièces solistes et de musique de chambre.

De nombreux compositeurs majeurs ont écrit pour lui, parmi lesquels Georges Aperghis, John Cage, Helmut Lachenmann, Rebecca Saunders, Salvatore Sciarrino, Toshio Hosokawa et Karlheinz Stockhausen. Son activité de soliste, chambriste et pédagogue est étroitement liée à cette relation avec les compositeurs et à la création de nouvelles œuvres.

Son travail se distingue par une exploration approfondie des possibilités techniques, acoustiques et expressives du saxophone et par un engagement constant dans la transmission et l’élargissement de son répertoire. Il est notamment professeur à la Hochschule für Musik de Bâle et co-auteur de The Techniques of Saxophone Playing, ouvrage de référence consacré aux techniques contemporaines de l’instrument.

https://marcusweiss.net/

Yi-Ping Yang est percussionniste, timbalière et artiste de création. Formée aux conservatoires de Boulogne-Billancourt et de Lyon, à Genève et Munich, elle mène depuis 2000 une carrière entre orchestre, création et transmission.

Membre des Percussions de Strasbourg et collaboratrice du GRAME, elle participe à de nombreuses créations contemporaines avec l’Ensemble Orchestral Contemporain. Sa démarche artistique fait de la percussion un espace de rencontre entre écritures musicales, arts de la scène et cultures. Elle explore les possibilités du geste, du timbre et de l’espace, et développe des projets à la croisée de la musique et du théâtre, comme compositrice, musicienne et comédienne.

Lauréate de plusieurs concours internationaux, notamment à Luxembourg, Lyon et Eindhoven, elle se produit en France et à l’étranger. Directrice artistique des Rendez-vous Internationaux de la Timbale (RIT-Infinity) et co-directrice artistique d’Eklekto Geneva Percussion Center, elle œuvre au rayonnement de la percussion. Professeure associée au CRR de Lyon depuis 2012, elle enseigne au CNSMD de Lyon et au Conservatoire de Shanghai. En 2024, elle reçoit la « Fabuleuse Signature » de la Fondation Signature.

Michel Duchesneau est musicologue et professeur titulaire à la Faculté de musique de l’Université de Montréal, où il enseigne depuis 2002. Titulaire de la Chaire de l’Université de Montréal en musicologie, il dirige depuis 2004 l’Observatoire interdisciplinaire de création et de recherche en musique (OICRM). Ses recherches portent notamment sur la musique française de la première moitié du XXe siècle, la sociologie des publics de la musique, la création musicale contemporaine et ses mécanismes de diffusion, ainsi que sur la médiation et la gestion des institutions musicales. Il est l’auteur de L’Avant-garde musicale en France et ses sociétés de 1871 à 1939 et le coéditeur de plusieurs ouvrages consacrés à la modernité musicale et au compositeur Charles Koechlin. Il a également dirigé la revue Circuit, musiques contemporaines et a été directeur général de la Société de musique contemporaine du Québec. En 2012, il a reçu la médaille Dent de la Royal Musical Association pour sa contribution exceptionnelle à la musicologie.

Denis Laborde est anthropologue et musicien. Après des études au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, il enseigne en conservatoire et travaille à Radio France, où il dirige notamment la création mondiale des Crystal Psalms d’Alvin Curran. Il se tourne ensuite vers l’anthropologie et soutient en 1993, à l’EHESS, une thèse consacrée aux improvisations poético-musicales des bertsulari, les improvisateurs basques. Entré au CNRS en 1997, il devient directeur de recherche et développe une approche originale de la musique comme outil d’analyse des sociétés humaines. Ses recherches portent notamment sur l’improvisation, la création musicale contemporaine, les musiques du monde, les festivals et les pratiques musicales en contexte de migration. Directeur d’études à l’EHESS, il fonde à Bayonne l’Institut ARI-CNRS, consacré à l’anthropologie de la musique. Il reçoit en 2020 la médaille d’argent du CNRS pour l’ensemble de ses travaux.

Caroline Traube est chercheuse au parcours interdisciplinaire et mène des travaux sur les migrations humaines et musicales depuis une douzaine d’années. Parmi ses thématiques de recherche, elle s’intéresse aux parcours de carrière et enjeux de professionnalisation de musiciennes et musiciens immigrants, à la place de la musique dans l’expérience migratoire, ainsi qu’au travail des diffuseurs (festivals et salles) en arts de la scène dans des contextes multiculturels. Elle dirige le projet de recherche-action partenariale Musique Immigration (musique-immigration.ca) et assure la codirection de l’ouvrage collectif Participation culturelle, arts et immigration à paraître dans la collection « Monde culturel » aux Presses de l’Université Laval. Elle réalise également le podcast Le monde dans mes oreilles, qui met en lumière les récits de personnes immigrantes sous l’angle des musiques qui ont ponctué leur parcours, et dont la deuxième saison est entièrement codéveloppée et coprésentée avec le festival des Rencontres internationales du documentaire.

Parallèlement à la recherche, Caroline a travaillé dans le milieu de la diffusion musicale comme coordonnatrice de l’ensemble Constantinople et chargée de diffusion au Centre des musiciens du monde à Montréal (2017-2020). Elle a également siégé sur le Conseil d’administration du Conseil des arts de Montréal à titre de présidente du secteur musique (2022-2025). 

Jérémie Szpirglas Après un parcours entre sciences, musique et navigation au grand large, Jérémie Szpirglas se consacre à l’écriture. Auteur de fictions (Pater Dolorosa, Le Passeur Éditeur, 2019 ; Anthropocène, Publie.net, 2022), ancien journaliste culturel (Le Monde de la Musique, Mouvement, rédaction en chef du magazine Musique(s)), il prête également sa plume à diverses personnalités des mondes artistique et politique. Il écrit de nombreux textes de référence pour de grandes institutions culturelles françaises (Philharmonie de Paris, Ircam, Festival d’Automne, Ensemble intercontemporain, Théâtre des Bouffes du Nord, Opéra de Paris, Opéra-Comique…). Il est également l’auteur de plusieurs ouvrages sur l’œuvre de Serge Gainsbourg, co-signant notamment la référence : Le Gainsbook, Seghers, 2019.

Version n°1 du 12/08/2026

Durée de validité de la version n°1 : 1 an renouvelable

Déroulé/contenu de la formation

Ce planning peut être adapté en fonction des besoins pédagogiques et artistiques.

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher : 10 artistes
Effectif plafond : 10 artistes

Objectifs pédagogiques

Connaissances

• Identifier les possibilités techniques, sonores et expressives des instruments solistes proposés.
• Comprendre les relations entre son, geste instrumental, corps, espace, silence et écoute dans le processus de composition.
• Comprendre l’influence des caractéristiques acoustiques d’un lieu sur la projection, la résonance et la perception du son.
• Identifier les ressources sonores et expressives des instruments solistes et les possibilités offertes par leurs différents modes de jeu.

Savoir-faire

• Expérimenter les possibilités sonores, techniques et gestuelles d’un instrument soliste et les intégrer à une démarche de composition personnelle.
• Concevoir et développer une œuvre pour instrument soliste en tenant compte des spécificités de l’instrument, des possibilités de l’interprète et des caractéristiques du lieu.
• Mettre à l’épreuve ses choix de composition au contact du son et de l’interprétation, et faire évoluer sa partition à partir de l’expérience de la répétition.
• Intégrer, lorsque cela est pertinent, les dimensions corporelle, gestuelle et scénique du jeu instrumental au projet musical.
• Prendre en compte les conditions d’écoute, la résonance, le silence et l’espace dans la conception et la réalisation de l’œuvre.
• Organiser son travail de composition et respecter les échéances définies pour les différentes étapes de réalisation de l’œuvre.
• Veiller à la qualité de la partition livrée : format, lisibilité, clarté de la notice, langue utilisée, respect des mentions.
• Présenter oralement son identité artistique, sa démarche et les intentions qui sous-tendent son projet de composition.
• Finaliser une œuvre pour instrument soliste et la présenter dans le cadre d’une restitution publique et enregistrée.
• Mobiliser les échanges et les expériences partagées avec d’autres artistes pour nourrir sa réflexion et sa démarche de création.
• Développer sa capacité à situer sa pratique artistique dans son environnement professionnel et sociétal.

Savoir-être

• Développer une posture d’écoute, d’observation et de remise en question dans son processus de création.
• Être à l’écoute de l’interprète et instaurer un dialogue constructif autour des possibilités de l’instrument et de la réalisation de l’œuvre.
• Être capable de faire évoluer ses choix d’écriture à partir des échanges avec les interprètes et les encadrants.
• Participer activement à une démarche de recherche collective, dans le respect de la singularité des démarches artistiques de chacun.
• Échanger avec des artistes aux pratiques, aux parcours et aux esthétiques différents, dans une démarche d’écoute et d’ouverture.
• Prendre part à une réflexion collective sur la place de l’artiste dans la société et sur les enjeux de la pratique artistique professionnelle.

Compétences visées

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

• identifier et exploiter les ressources sonores et techniques d’un instrument soliste ;
• expérimenter et sélectionner différents modes de jeu en fonction d’une intention de composition ;
• intégrer les dimensions gestuelle, corporelle et spatiale dans une écriture musicale lorsque cela est pertinent ;
• prendre en compte les caractéristiques acoustiques d’un lieu dans la conception et la réalisation d’une œuvre ;
• collaborer avec un interprète en formulant ses intentions artistiques, en prenant en compte ses retours et en adaptant son écriture ;
• confronter sa partition à l’expérience du son et de l’interprétation et la faire évoluer en conséquence ;
• organiser son travail de composition et respecter les échéances définies pour les différentes étapes de réalisation ;
• finaliser une partition lisible et exploitable par l’interprète ;
• présenter oralement sa démarche artistique et ses choix de composition ;
• concevoir les conditions de présentation d’une œuvre dans un parcours musical collectif ;
• finaliser et présenter une œuvre pour instrument soliste d’environ 10 minutes dans le cadre d’une restitution publique et enregistrée ;
• enrichir sa démarche artistique par l’échange avec des artistes aux pratiques, aux parcours et aux esthétiques différents ;
• situer sa pratique de compositeur dans son environnement professionnel, artistique et sociétal.

Méthodes mobilisées

Moyens pédagogiques :

Le Campus repose sur une pédagogie fondée sur l’expérimentation, l’accompagnement individualisé et collectif, le dialogue entre composition et interprétation, et la mise à l’épreuve des œuvres dans des conditions professionnelles.

• Séances préparatoires collectives à distance, comprenant conférences, présentations et échanges autour de la composition pour instrument soliste, des instruments proposés, de l’acoustique, de l’écoute.
• Accompagnement artistique individualisé et collectif par les compositeurs encadrants, permettant de développer le projet, de questionner les choix d’écriture et de faire évoluer la partition.
• Temps individuels de composition et de recherche, accompagnés d’une remise progressive des travaux et de retours sur les différentes étapes de l’écriture.
• Rencontres et ateliers avec les interprètes, consacrés à la découverte des instruments, aux possibilités techniques et aux modes de jeu, puis à la mise à l’épreuve des œuvres.
• Répétitions sous forme d’ateliers, permettant de confronter la partition au son et à l’interprétation et de la faire évoluer à partir de l’expérience.
• Présentations individuelles, échanges entre pairs et temps de réflexion collectifs, autour des démarches artistiques, de l’acte de composer et des enjeux de la création contemporaine.
• Temps communs avec le Campus Musiques transculturelles, comprenant notamment pratique corporelle, ateliers professionnels, débats sur la place de l’artiste dans la société, visite du monument et de la bibliothèque musicale et temps d’échange.
• Mise en situation professionnelle et restitution publique, avec conception collective du parcours à travers l’Abbaye et présentation des œuvres finalisées dans le cadre d’une restitution enregistrée.

Les échanges pédagogiques et artistiques sont conduits en français ou en anglais, selon le niveau de compréhension des participantes et participants.

Moyens techniques :

• Salles de travail équipées de tables, de pupitres et de chaises.
• Chambres individuelles, équipées d’une table, permettant aux compositrices et compositeurs de travailler.
• Documentation et ressources de travail accessibles via un Google Drive privé.
• Accès à un photocopieur et d’une relieuse et mise à disposition du matériel nécessaire à l’impression des partitions, notamment papier, reliures et couvertures. La relieuse mise à disposition permet de relier les partitions au format A3 uniquement en orientation paysage.

Modalités de suivi et d’évaluation

L’évaluation s’appuie sur le travail pratique réalisé tout au long de la formation, les échanges avec les encadrants et les interprètes, ainsi que sur l’œuvre finale présentée au terme du Campus.

L’évaluation prend en compte :
• la progression du bénéficiaire ;
• sa capacité à mobiliser les apports de la formation ;
• sa capacité à faire évoluer son projet au contact des retours des encadrants et des interprètes ;
• la qualité du travail réalisé ;
• son implication dans les différentes étapes du travail individuel et collectif ;
• sa capacité à respecter les échéances définies.

Un entretien individuel avec le responsable pédagogique permet de faire le point sur le parcours réalisé, les acquis de la formation et, lorsque cela est pertinent, d’échanger sur les perspectives et l’orientation professionnelles du bénéficiaire.
Une grille d’évaluation des acquis, renseignée par les encadrants et accompagnée de leurs commentaires, est remise au bénéficiaire en fin de formation.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation

Une attestation de fin de formation mentionnant les objectifs, la nature et la durée de la formation et les résultats de l’évaluation des acquis est remise au bénéficiaire ainsi que le certificat le cas échéant.

Modalités d’évaluation qualitative

Au dernier jour de la formation, le ou la bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative portant sur son expérience de la formation et permettant d’en évaluer les dimensions artistique, pédagogique, humaine et matérielle.

Pendant la formation en présentiel

• Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer rapidement les propositions faites par les intervenant·e·s ; ainsi que de sa capacité d’intégration dans le groupe. 

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

Les formations de la Fondation sont ouvertes aux personnes en situation de handicap. Des adaptations des conditions de formation et de participation peuvent être envisagées en fonction des besoins et des spécificités de chaque situation et de chaque formation.
Afin d’échanger sur les besoins spécifiques et d’anticiper les éventuels aménagements, les personnes concernées sont invitées à prendre contact avec la Fondation au moment de leur candidature.

Contacts