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Cycle de formation du pôle Création chorégraphique

Présentation

Autour du Light Wall System (LWS) et du dispositif interactive Motion Sound System (iMSS)

Opus est un programme de 3 semaines qui se conçoit à la fois comme un temps de formation continue un espace d’expérimentation et de fabrication sous l’égide de tuteurs du champ de la danse et de la musique. À destination de 3 chorégraphes et de 3 compositeurs, il invite aussi un ensemble d’interprètes (danseurs musiciens) à géométrie variable.  Les six auteurs sont interpellés par une commande thématisée et formulée par les tuteurs, qui interroge les relations entre la musique et la danse, et les modalités collaboratives à mettre en œuvre entre les artistes pour fabriquer 3 maquettes chorégraphiques et musicales présentées lors d’une fenêtre sur cours en fin de programme.

Encadrement

Jean Geoffroy

Jean Geoffroy a tracé sa propre voie dans le monde des percussions. Timbalier solo de L’Ensemble Orchestral de Paris de 1985 à 2000, membre de la Fondation Menuhin, JG continue d’être un artiste infatigable et a participé en tant que soliste à plus de 40 CD et DVD dont six d’entre eux consacrés à J.S Bach. Dédicataire de très nombreuses pièces, il joue dans les plus prestigieux festivals de musique du monde, et donne MasterClasses et conférences dans le monde entier depuis plus de 40 ans. Passionné par l’enseignement, professeur aux CNSMD de Lyon et Paris, depuis 2019 il est responsable du pôle création du CSNDML : l’Espace Transversal de Création. Auteur de plusieurs livres pédagogiques, et directeur de collection pour les éditions Lemoine et Alfonce. De 1995 à 2004, il travaille au département pédagogique de l’Ircam et a ainsi créé de nombreuses pièces pour ou avec percussions solo et électronique. Membre du comité de lecture de l’Ircam. Directeur artistique du centre Eklekto à Genève de 2006 à 2013, directeur artistique des Percussions Strasbourg de 2015 à 2017, il a permis au groupe de se renouveler avec succès, Victoire de la musique 2016 – Diapason d’Or – Coup de Cœur Charles Cros… JG, est chef invité de l’ensemble Mésostics, avec lequel il a enregistré un CD / DVD consacré à Martin Matalon et Philippe Hurel, salué par les critiques. En 2017, avec Christophe Lebreton, ils co-réalisent le Light Wall System, interface lumineuse de captation du geste et développe de nouvelles interfaces liant le son et le mouvement créant ainsi de nouvelles perspectives artistiques et pédagogiques. En 2019, cette collaboration s’est concrétisée avec la création de LiSiLoG association dédiée à l’innovation artistique et à la transmission.

Christophe Lebreton

Concepteur de dispositifs interactifs, musicien et scientifique de formation , il travaille entant qu’ingénieur du son et réalisateur en informatique musicale depuis 1989. Jusqu’en 2019, il participe au développement et rayonnement du GRAME (Centre National de Création Musicale à Lyon), création des studios d’enregistrement, réalisations discographiques, spectacles, concerts, Opéra, expositions et travaille avec de nombreux compositeurs de musique contemporaine en France et à l’étranger tout en se confrontant quotidiennement aux réalités et à la diversité des productions contemporaines. Depuis 2003, il concentre ses recherches et développements sur la captation du geste et la scène augmentée. Il expérimente ce qu’il appelle « la scénographie instrumentale ». Il s’intéresse à tous les arts de la scène pour lesquels ses recherches et développements sont connexes. Depuis 2013 il crée des applications musicales gestuelles pour Smartphones (“SmartFaust”, “Smart Hand Computer”), développe la suite de logiciels “Light Wall System” orientés pour la pédagogie. En 2019 il fonde avec Jean GEOFFROY l’association LiSiLoG, dédiée à l’innovation technologique, artistique et à la transmission : ( www.lisilog.com ). Depuis 2020 il développe le système iMSS destiné à la captation du mouvement multi-caméra pour la création et production à faible budget. Il crée des installations interactives fonctionnant à partir d’iPhone d’occasion permettant d’éditer et diffuser facilement ses œuvres. Il poursuit notamment ses expérimentations autour du concept « Smartland jardin post-numérique » qu’il a initié en 2013 avec « Smartland – Divertimento ». En 2021 il crée l’exposition C.CUT-UP! à partir de ses propres oeuvres sous son alias Zakahamida; poursuit ses développements pour guitare augmentée et réalise des projets autour de la captation du mouvement avec la compagnie les Arts Improvisés.

Xavier Garcia

Compositeur et improvisateur, il se passionne pour domaines aussi contraires que :

  • le travail en studio en studio et le jeu sur scène.
  • la signature personnelle d’un travail et la création collective
  • la fixation d’une œuvre sur un support (acousmatique, cinéma, disque) et l’éphémère de l’improvisation  » (concert live)
  • l’écrit et l’improvisé.
  • les musiques « libres » (improvisées, acousmatiques…) et celles qui fonctionnent sur une « pulsation» (jazz, techno …)

Dans le domaine électroacoustique il réalisé une trentaine de musiques électroacoustiques « sur support » (Ina-Grm, GMVL, studio personnel).

Il joue également en direct, en solo avec le projet Lifelines (technologie développée par Christophe Lebreton /Lisilog) et aussi en duo avec Lionel Marchetti depuis 2012.

Membre de l’ARFI (arfi.org) depuis 87, il joue des instruments électroniques (samplers, synthétiseurs, traitements…) dans des groupes, des spectacles et des ciné-concerts comme « L’Effet Vapeur », « La Marmite Infernale », « Les Hommes maintenant… », « les Plutériens », « Bobines Mélodies 1 & 2 », « Actuel Remix », « Metropolis », « Arfolia Libra », « Dark Poe », « Orpheus Mix » etc…

Avec d’autres instrumentistes, il dirige des projets comme Virtuel Meeting, Réel Meeting, Crossed Meeting ou Radiorama, dans lesquels son travail va de l’improvisation totale à l’écriture précise.

Il compose également des pièces pour soliste et partie électroacoustique pour des instruments inhabituels comme la cornemuse, la vielle à roue ou encore des téléphones portables (projet Smartfaust / Grame). Collabore régulièrement avec d’autres musiciens (Brian Eno, Heiner Goebbels, Chris Cutler, Erwan Keravec, Laurence Bourdin, l’Ensemble Modern de Francfort), avec le théâtre (Jean-Paul Delore, Laurent Vercelletto, André Wilms), le court métrage (Lorenzo Recio…), des plasticiens urbains (Philippe Mouillon/ Laboratoire), la danse (Ulises Alvarez, Julyen Hamilton) …

Hervé Robbe, directeur du pôle Création chorégraphique de la Fondation Royaumont, chorégraphe

Parallèlement à des études d’architecture, il se forme à Mudra, l’école de Maurice Béjart à Bruxelles. Sa carrière d’interprète débute en dansant le répertoire classique et néoclassique. Il commence sa production chorégraphique en 1987, au sein d’une première compagnie Le Marietta Secret. En 1999, il est nommé directeur artistique du Centre Chorégraphique National du Havre Haute-Normandie. Il fait le choix en janvier 2012 de quitter cette institution et de continuer son aventure d’artiste au sein d’une nouvelle compagnie, TRAVELLING & CO. Tout en y réalisant son travail de création, il prend les fonctions de directeur artistique du Pôle Création chorégraphique de la Fondation Royaumont en avril 2013 et y initie plusieurs programmes de formation à destination des chorégraphes et des danseurs : Prototype, Dialogues, Praxis#, Le laboratoire chorégraphique# et Opus#.

Public visé

  • Trois chorégraphes ayant réalisé plusieurs œuvres chorégraphiques, avec un intérêt marqué pour la collaboration musicale.
  • Trois compositeurs (trices) ayant réalisé plusieurs œuvres musicales, avec un intérêt marqué pour la collaboration chorégraphique.
  • Neuf danseur(se)s-interprètes professionnel(le)s

Calendrier

Sélection sur dossier par l’équipe pédagogique entre le 1er et le 14 avril
Résultat entre le 15 et le 20 avril 2022

Date de clôture des candidatures :
31 mars 2022

Tous les programmes de formation de la Fondation Royaumont ont un délai d’accès à minima de 11 jours ouvrés.
Exemple : si la Fondation Royaumont valide la demande d’inscription le 14 juin, elle peut proposer au bénéficiaire une formation qui commence le 29 juin.

Sessions :

du 1er au 20 août 2022 pour les chorégraphes et compositeurs (trices)
soit 18 jours de formation – 126 heures
du 8 au 20 août 2022 pour les pour les interprètes
soit 12 jours – 84 heures

Présentations publiques
Dans le cadre de la programmation des Dimanches à Royaumont le 21 août 2022

Fiche programme

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher : 2 chorégraphes, 2 compositeurs, 8 danseur(se)s
Effectif plafond : 3 chorégraphes, 3 compositeurs, 9 danseur(se)s

Pré-requis et conditions d’accès à la formation

Être un chorégraphe ayant réalisé plusieurs œuvres chorégraphiques.
Être un compositeur ayant réalisé plusieurs œuvres musicales
Être danseur(se)-interprète professionnel(le)

Les participants s’engagent formellement à suivre l’intégralité du cursus :

  • 18 jours de formation, pour les chorégraphes et les compositeurs (trices).
  • 12 jours pour les interprètes.


Les conditions d’accès sont transmises pendant la formation.

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation les bénéficiaires seront capables :

  • D’interroger leurs postures d’artistes chorégraphiques, de danseurs, de chorégraphes et d’auteurs.
  • D’interroger leurs postures d’artistes musicaux, de musicien et de compositeur.
  • D’expérimenter la collaboration artistique et la co-création.
  • D’élargir ses compétences et connaissances face aux évolutions des cadres des métiers.
  • De Questionner leurs propres pratiques d’écriture.
  • D’imaginer de nouveaux modes de relations et de dialogues chorégraphes/compositeurs/interprètes
  • De s’interroger sur les savoirs convoqués et les outils nécessaires à leurs compositions chorégraphiques et musicale
  • De Comprendre les conditions pratiques et stratégiques nécessaires à la mise en œuvre d’un projet chorégraphique et musicale
  • D’entrer dans l’exercice de reconnaissance, de la mise en partage des compétences et de la créativité

Objectifs pédagogiques

Connaissances
  • Avoir une approche critique de l’histoire culturelle de la danse et de la musique à la charnière du 20ème et du 21ème siècle – transformation des esthétiques et des écritures contemporaines.
  • Cultiver le goût de la lecture des œuvres – ouvrir des voies interprétatives reliées à son propre projet.
  • Savoir reconnaître et appréhender différents imaginaires et univers de croyances des chorégraphes et des compositeurs – sources et courants auxquels ils s’identifient – filiations et ruptures.

Savoir-faire
  • Ouvrir le dialogue entre les arts : interdisciplinarité à l’œuvre. Avoir le goût et l’expérience sur la mise en relation avec les autres langages artistiques : Danse, musique, arts visuels vidéo et arts numériques.
  • Travailler sur le dialogue chorégraphe /compositeur /interprète. Entrer dans l’exercice de reconnaissance, de la mise en partage et de la créativité.
  • Conditions pratiques et stratégies de mise en œuvre d’un projet en collaboration
  • Organiser les temps de recherche de création et de répétition avec efficacité dans un temps limité. Maitrise des outils et savoir-faire compositionnels chorégraphiques et musicales
Savoir-être
  • Motivation, travail individuel et insertion dans un collectif au travail.
  • Qualité relationnelle avec l’ensemble des intervenants et les autres stagiaires
  • Adaptation à un contexte, ouverture et partage à de nouveaux savoirs, capacité au déplacement.
  • Capacité à partager son projet avec un public lors de la restitution finale.

Déroulé/contenu de la formation

L’ensemble du programme est pensé sous le prisme d’une pédagogie immersive et co-construite. Ce programme organisé en une session articulera les approches théoriques et pratiques sous formes d’ateliers expérimentaux, de phases de création et de mises en situation.

SEMAINE 1
De la rencontre à la collaboration
Accueil des bénéficiaires :
Les 3 chorégraphes et les 3 compositeurs

En compagnie des quatre Tuteurs, les 3 chorégraphes et les 3 compositeurs (stagiaires) sont invités à présenter leurs démarches artistiques respectives et leurs intérêts dans les relations Danse/Musique. Ils sont interrogés sur les potentiels espaces de collaboration et de co-création autours et à partir de des outils singuliers que sont le Light Wall System et l’Interactive Motion Sound System. A l’issue de cette semaine d’atelier se constitue trois binômes porteurs d’un projet d’une maquette chorégraphique et musicale dont ils expérimenteront les processus de mise en œuvre les semaines suivantes.
Cette semaine est animée par le référent pédagogique et les 3 intervenants sous forme d’accompagnement collectif et individuel en fonction des modules.
Les enseignements, accompagnements réflexifs et tutorats mettront en lien les contenus avec les dynamiques de travail propres au terrain de la création. La formation visera à préparer ou soutenir la reconnaissance, par les artistes, de la riche complexité inhérente aux projets de création qui par nature engagent l’artiste créateur dans la gestion d’équipes aux compétences multiples, au sein de contextes singuliers et variables.
SEMAINE 2 et 3
De la mise en œuvre d’une maquette chorégraphique et musicale
Accueil des bénéficiaires :
Les 3 chorégraphes, les 3 compositeurs et les 9 interprètes

Les trois binômes d’auteurs étant constitués, s’opère la rencontre avec l’ensemble des neuf interprètes danseurs (stagiaires). Trois équipes mettent en jeux des processus d’expérimentation et de fabrication. Un dialogue collaboratif, accompagné par les tuteurs, dans le but d’aboutir à l’issue des deux semaines à une maquette.
Cette semaine est animée par le référent pédagogique et les intervenants de la semaine 1, sous forme d’accompagnement collectif et individuel vers la création d’une maquette chorégraphique et musicale

Méthodes mobilisées

Enseignement théorique et pratique
  • Cours de groupe théoriques et pratiques donnés par les quatre intervenants des champs de la danse et de la musique sous forme d’ateliers expérimentaux, de phases de création, séminaires, rencontres, conférences, mises en situations, avec pour fil conducteur pour cette deuxième édition :
  • Du geste chorégraphique au geste musical

Ou l’usage des dispositifs technologiques d’interaction. « Le Light Wall System (LWS) et du Motion Sound System (iMSS) », afin de concevoir une maquette chorégraphique et musicale.

  • Répétitions et temps de recherche des bénéficiaires sans les encadrants pour renforcer l’autonomie dans le travail & rencontre bilan sur l’évolution des processus de création mis en œuvre.
  • Rencontres avec le directeur artistique pour échanger sur le parcours professionnel du stagiaire

Modalités de suivi et d’évaluation

Pendant la formation en présentiel

Pendant la formation en présentiel

  • Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer les propositions faites par l’intervenant.
  • Pendant la restitution à la fin de la formation : l’interprétation d’une ou plusieurs œuvres devant un public qui permet d’apprécier l’évolution de l’interprétation et la capacité du stagiaire à présenter son travail en concert.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation :

Une attestation de fin de stage mentionnant les objectifs, la nature et la durée de l’action et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au stagiaire ainsi que le certificat le cas échéant.
Le stagiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer les acquis de la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Les concerts hors cadre de la formation permettent de suivre l’évolution de la carrière de l’artiste et de son ensemble en aval des formations, et notamment d’évaluer la qualité de l’interprétation ainsi que le nombre de concerts donnés.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les stagiaires sont priés d’informer durant les six mois suivants la fin de la formation des contrats qu’ils auront obtenus. »

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription.

  • Salles et chambres accessibles par ascenseur.
  • Equipement écran et enceintes amplifiées
  • Restauration au rez-de-chaussée

Référent pédagogique

Hervé Robbe, directeur artistique du pôle Création chorégraphique
h.robbe@royaumont.com

Référente administrative

Doriane Trouboul, administratrice du pôle Création chorégraphique
d.trouboul@royaumont.com

Référents handicap

Samuel Agard et Doriane Trouboul



Cet atelier de formation professionnelle est soutenu par

Ouvert 365j/an Visite tous les jours