Butterfly room service 

Présentation

A l’occasion du centenaire de la mort de Giacomo Puccini, est proposé à huit jeunes compositeurs, cinq chanteurs, un pianiste, un assistant à la mise en scène et deux assistants à la scénographie, une réflexion décalée sur la création lyrique aujourd’hui et la manière d’aborder le genre scénique, sous forme d’un atelier collaboratif. Chaque compositeur aura à écrire une des huit scènes d’un livret qui crée l’unité du projet.
Inspiré d’une inversion du fameux opéra Madame Butterfly, il met en jeu trois personnages dont les relations s’intriquent de manière complexe et redistribuent entièrement les codes sociaux et les clichés développés dans le chef d’œuvre de Puccini. 

Pour les artistes lyriques, le défi consistera à apprendre une nouvelle partition rapidement tout en collaborant de manière rapprochée avec les compositeurs.
Les compositeurs devront à la fois saisir le moment narratif particulier et concevoir son inscription dans le tout. Ils seront appelés à la réalisation commune de certains passages ou transitions. Tout au long du projet, et dès la phase d’écriture, ils seront conseillés et suivis dans l’écriture instrumentale, vocale, dramaturgique et dans le traitement du livret par des artistes aguerris dans ces disciplines. L’objectif est ici celui d’une formation complète à l’écriture lyrique et au traitement dramatique.
Tout le travail sera essentiellement collaboratif, où chacun participe à l’élaboration, la conception, la réalisation de l’œuvre collective en cours, que ce soit sur le plan compositionnel, interprétatif ou scénique. Il se déroulera, en deux sessions, sous la houlette de formateurs aguerris qui conduiront le travail jusqu’à son aboutissement : une représentation scénique de l’œuvre collective ainsi mise au jour. 

Les enjeux musicaux et stylistiques sont nombreux :  

  • Comment partager un même sujet ? 
  • Quelle attention porter au travail des autres compositeurs ? 
  • Comment créer une unité tout en conservant sa propre écriture ? 
  • Comment adapter le texte/livret à son propre travail d’écriture ? 
  • Comment trouver l’essentiel des ressorts scéniques et s’adapter à un projet de mise en scène ? 
  • Quelle est le rôle de l’interprète, sa part de création dans le processus d’écriture et de conception d’une nouvelle œuvre ?

Répartition des sessions

Session I :
Chanteurs / chanteuses, pianiste, assistant/assistante à la mise en scène, assistants/assisantes à la scénographie

Encadrement

Yoan Héreau chef de chant, directeur musical
Raquel Camarinha coach vocal
Antoine Gindt metteur en scène, livret


Session II :  Chanteurs / chanteuses, compositeurs / compositrices, pianiste, assistant·e à la mise en scène, assistant·e·s à la scénographie

Encadrement

Yoan Héreau chef de chant, directeur musical
Raquel Camarinha coach vocal
Antoine Gindt metteur en scène, livret
Cecilia Franco, assistante à la mise en scène, livret
Elise Capdenat scénographe
Bernhard Lang (Autriche, 1957) compositeur
Sivan Eldar (Israël, 1985) compositrice
Francesco Filidei (Italie, 1973) compositeur

Ensemble Linea 
Jean-Philippe Wurtz direction

Biographies

Yoan Héreau

À la fin de son cursus au CNSMDP, Yoan Héreau intègre pour trois saisons l’Académie de l’Opéra de Paris en qualité de pianiste chef de chant. 
On le retrouve ensuite très vite dans les productions des plus grands théâtres et en particulier dans le domaine de l’opéra contemporain, participant à la création d’œuvres de compositeurs majeurs de notre temps comme Georges Benjamin, Pascal Dusapin, Francesco Filidei ou encore Kaija Saariaho.
Il poursuit en parallèle une carrière féconde de concertiste avec l’enregistrement de plusieurs opus pour les labels Naïve et Mirare et est le directeur artistique des Parenthèses musicales de Saint-Maurice depuis 2019.

Raquel Camarinha

Après des études complètes de Chant au Portugal, Raquel Camarinha obtient en 2011 son Master au CNSMDP, puis en 2013 les DAI “Chant” et “Répertoire Contemporain et Création”. Lauréate de plusieurs concours internationaux, elle est nommée Révélation Lyrique aux Victoires de la Musique 2017. Tout en développant une intense activité de duettiste avec le pianiste Yoan Héreau, elle a collaboré de près avec des compositeurs tels que B. Attahir, K. Saariaho, P. Dusapin ou F. Filidei. Son album Life Story (Naïve, 2023), tire son nom de la pièce homonyme de T. Adès et inclut une création de B. Attahir, A Criança em ruínas. Ce projet est né du dispositif incubateur de la Fondation Royaumont.

Antoine Gindt 

Metteur en scène et producteur, il dirige T&M depuis 1997, après avoir été codirecteur de l’Atem avec Georges Aperghis (Théâtre Nanterre-Amandiers, 1992-2001). Il a commandé et produit de nombreux opéras et spectacles musicaux (Aperghis, Bianchi, Dillon, Donatoni, Dubelski, Dusapin, Filidei, Goebbels, Lorenzo, Pesson, Rivas, Sarhan…) ou contribué à des premières en France (Dusapin, Goebbels, Mitterer, Sciarrino, Zappa…).

Récemment, il a mis en scène Eurydice, une expérience du noir de Dmitri Kourliandski sur un poème de Nastya Rodionova (2020, Festival Aperto, Reggio Emilia), Explore! Awards (2020, Scène de recherche ENS Paris-Saclay), Voix in situ dans le cadre de l’événement L’envers du décor au Palais de la Porte Dorée à Paris (2019), La traición oral de Mauricio Kagel (2018, CETC – Teatro Colón Buenos Aires), 200 Motels de Frank Zappa (2018, Musica-Zénith de Strasbourg, Philharmonie de Paris), La Passion selon Sade de Sylvano Bussotti (2017, Théâtre de Nîmes), les créations de Iliade l’amour de Betsy Jolas (2016, CNSMDP / Philharmonie de Paris), de Giordano Bruno de Francesco Filidei (2015, Casa da Música Porto) et d’Aliados, un opéra du temps réel de Sebastian Rivas (2013, T2G). En 2011-2012, il monte Ring Saga (L’Anneau du Nibelung de Richard Wagner, version de Jonathan Dove et Graham Vick), spectacle en trois journées créé à la Casa da Música à Porto puis en tournée. Il a également mis en scène Wanderer, post-scriptum, récital avec Ivan Ludlow et Kalina Georgieva sur des lieder de W. Rihm, H. Eisler, R. Wagner et G. Pesson (2013), Pas Si de Stefano Gervasoni (2008), Kafka-Fragmente de György Kurtág (2007), The Rake’s Progress d’Igor Stravinski (2007, 2009), Consequenza, un hommage à Luciano Berio (2006), Medea de Pascal Dusapin (2005) et Richter, un opéra documentaire de chambre de Mario Lorenzo (2003), spectacles qui ont été joués en France, en Europe et en Argentine.

En 2021, il met en scène deux créations, Lyoudka (une bouffonnerie) de Eugénia Palekhova au Théâtre Ilkhom de Tachkent (Ouzbékistan) et Le Rang des artichauts (d’après La Visite de Wagner à Rossini) au Théâtre de Nîmes. Il poursuit par ailleurs le développement de Rayon N de Sebastian Rivas, dont il est l’auteur du livret.

Auteur de nombreux articles sur les musiques d’aujourd’hui, il a dirigé un ouvrage collectif sur Georges Aperghis (Le corps musical, éditions Actes Sud, 1990) et il a dirigé la revue théâtres&musique de 2003 à 2012. En 2009, il dirige l’Atelier Opéra en Création du Festival d’Aix-en-Provence, en 2012 il enseigne à l’Académie Chigiana à Sienne avec le compositeur Giorgio Battistelli, en 2017, il participe au programme Biennale College de la Biennale de Venise à l’invitation d’Ivan Fedele, et en 2018, il enseigne à la Escuola de Invierno à Buenos Aires. En 2019, il dirige un atelier autour des Conversations de Georges Aperghis au Théâtre Ilkhom-Mark Weil de Tachkent.

www.antoinegindt.com 

Elise Capdenat

Après des études en Architecture, Elise Capdenat a été diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs en Scénographie (1993). À l’occasion d’une année en résidence à la Villa Médicis à Rome (1996/1997), Elle publie le livre Circo Massimo-Sette Sale X2 en collaboration avec Anne Attali en 1998. Depuis 1995, elle collabore avec Eric Didry à la fois pour ses créations (Boltanski / interview en 1995, Récits / Reconstitutions en 1998, Non ora, non qui en 2002/2003, L’oppoponax en 2005, la loi du marcheur avec Nicolas Bouchaud en 2010) et de nombreux cycles de formations (stage AFDAS, Ecole du TNB).
En 2004, Elle a conçu et réalisé la scénographie de la boutique Dover Street Marquet de Comme des Garçons à Londres. De 2003 à 2010, Elle a participé aux créations et aux périodes de recherche de Sylvain Prunenec (Effroi en 2003, Redoux 2004, Lunatique 2006, About you 2007, résidence « in-situ» à Bagnolet en 2009/2010, bourse du CND). Depuis 2009, elle collabore avec Thierry Collet sur ses spectacles « de magie politique » : influences mise en scène par Michel Cerda (en 2009) et Qui-Vive mise en scène par Eric Didry (en 20012). Elle explore l’Opéra avec Antoine Gindt : Ringsaga (la tétralogie de Richard Wagner) crée en 2011 puis Aliados (opéra contemporain de Sébastien Rivas) en 2013. Elle collabore également aux nouvelles créations de Nicolas Bouchaud : Paroles d’acteurs (Festival d’Automne, Oct 2012), le projet Lucioles (Avignon en 2013).

Bernhard Lang

Bernhard Lang étudie d’abord le piano au Bruckner Konservatorium de Linz. Il poursuit à Graz l’apprentissage du piano classique et jazz, ainsi que l’arrangement. Il étudie par ailleurs la philosophie et la philologie germanique. Entre 1977 et 1981, il travaille avec les plus grands jazz band, notamment le Erich Zann Septett. Il aborde ensuite la composition avec le compositeur polonais  Andrzej Dobrowolski qui l’initie aux techniques de la nouvelle musique et travaille le contrepoint avec Hermann Markus Pressl qui le sensibilise aux techniques dodécaphoniques de Joseph-Matthias Hauer. À Graz, il se perfectionne avec Gösta Neuwirth et Georg-Friedrich Haas qui l’initie à la musique microtonale. En 1986, Bernhard Lang compose Zeitmasken pour quatuor à cordes dans le cadre du Musikprotokoll festival qui marque le début de sa carrière de compositeur. À partir de cette période également, il  démarre une activité pédagogique, enseignant la formation musicale, l’harmonie et le contrepoint à l’Université de Graz et, à partir de 2003, la composition. À l’institut de musique électronique de Graz, il développe le Loop Generator et le Visual Loop Generator avec Winfried Ritsch et Thomas Musil.

Son intérêt principal se porte depuis 1999 vers la musique de scène, où il applique son travail sur l’interprétation et notamment sur le contraste comme dans le cycle Differenz/Wiederholung (différence/répétition) : Das Theater der Wiederholungen (2003), I HATE MOZART (2006), Der Alte vom Berge (2007). Depuis 2003, il collabore avec de nombreux chorégraphes comme Xavier Le Roy, Willi Dorner et Christine Gaigg avec qui il crée NetTrike en 2010, en duplex entre l’Ircam et Graz. En 2007, il s’investit dans un projet d’examen des structures répétitives avec le cycle des Monadologies qui se fonde sur un concept que Bernhard Lang appelle le « traitement musical-cellulaire » dérivé de la Monadologie de Leibniz. Le projet a toujours cours, le dernier opus en date étant Monadology XXXIX (2019). À partir de 2013, il est maître de conférences en composition invité à Lucerne. En juin 2018, deux concerts-portraits lui sont dédiés à l’Académie de musique et des arts du spectacle de Vienne. Auteur de divers projets réalisés en collaboration avec des musiciens, artistes et écrivains autrichiens, Bernhard Lang est également membre des groupes d’improvisation LALELOO et VLO. En 2019, il reçoit le Prix autrichien des arts pour la musique.
© Ircam-Centre Pompidou

Sivan Eldar

La musique de la compositrice Sivan Eldar a été décrite comme « méditative et captivante » (l’Humanité), « d’un grand raffinement » (ResMusica) et « avec une sensibilité unique à la dramaturgie » (Diapason). Ses plus récentes créations incluent Like Flesh (Opéras de Lille, Montpellier, Lorraine,Anvers),After Arethusa (Biennale deVenise,Auditorium du Louvre),Una Mujer Derramada (Théâtre du Châtelet), Heave (Centre Pompidou, Opéra de Marseille, November Musique) et Solicitations (Philharmonie Luxembourg, Ultraschall Berlin, Festival Présences, Wien Modern). Ses plus récentes distinctions incluent le Prix de Rome-Villa Médicis 2022, le prix Fedora Opéra 2021 et des résidences à la Villa Albertine, à la Colonie MacDowell, à la Cité Internationale des Arts, et aux fondations Camargo, Civitella Ranieri, Singer-Polignac, Royaumont et Fulbright. Elle a également été compositrice en résidence à l’Opéra de Montpellier (2019-22) et à l’IRCAM (2020-22). Née à Tel Aviv en 1985, elle est titulaire d’un doctorat en composition de l’université UC Berkeley puis a rejoint l’IRCAM pour le Cursus de composition et d’informatique musicale. Sa musique est publiée par les Éditions Durand-Universal Music Classical.

www.sivaneldar.com

Francesco Filidei

Francesco Filidei est diplômé du conservatoire Luigi Cherubini à Florence où il remporte les premiers prix à l’unanimité d’orgue et de composition. Il suit ensuite les cours de perfectionnement de Salvatore Sciarrino, Sylvano Bussotti, Giacomo Manzoni et Jean Guillou à Zurich. De 1999 à 2005, il étudie la composition au Conservatoire national supérieur de Paris avec Marco Stroppa et Frédéric Durieux et l’analyse avec Michaël Lévinas. Parallèlement, il participe au Cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam en 2001-2002 – où il suit l’enseignement de Philippe Leroux – et à la session de composition « Voix nouvelles » à Royaumont en 2004. Comme soliste, il est invité notamment à la Philharmonie de Berlin, au Festival d’Automne à Paris, au festival Archipel à Genève, à la Biennale de Venise, à Milano Musica (saison de la Scala 2008-2009), à l’Ircam, au Theaterhaus de Vienne, au Forum Neues Musiktheater de Stuttgart. Ses œuvres, éditées par Rai Trade, sont interprétées par diverses formations, comme l’Itinéraire, Alter Ego, Cairn, L’Instant donné, le Nouvel Ensemble Moderne, Atelier XX, Court-Circuit, l’Ensemble intercontemporain, l’Ensemble Orchestral Contemporain, les Percussions de Strasbourg, le Quatuor Béla, le Quartetto Prometeo, Klangforum Wien, SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, WDR Sinfonieorchester Köln, l’ensemble Recherche, l’ensemble Remix, 2e2m, MusikFabrik, Les Cris de Paris, l’ensemble Linea et l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI. Il gagne le Salzburg Music Forderpreistrager en 2006, le Prix du Takefu International Music Festival en 2007, le Siemens Förderpreis en 2009 et la Médaille Unesco Picasso/Miro du Rostrum of Composers en 2011.

Francesco Filidei est compositeur en résidence à l’Académie Schloss Solitude à Stuttgart en 2006 et membre de la Casa de Velázquez à Madrid en 2007 pour deux ans. En 2010, il est nommé professeur de composition au festival Voix Nouvelles de Royaumont et en 2011 il est professeur invité à l’Univesité d’Iowa et à l’Academie Takefu. Il est pensionnaire à la Villa Medicis à Rome en 2012 et 2013 et compositeur en résidence à l’Ensemble 2e2m en 2015. En 2016, il est nommé Chevalier des Arts et Lettres par le ministère de la Culture français. Francesco Filidei a rejoint la Fondation des Théâtres de la région d’Émilie en Italie en tant que consultant musical en 2018 et la Villa Médicis à Rome en tant que directeur artistique du festival de musique contemporaine Controtempo. En 2019, il compose sur commande de l’Opéra comique l’opéra L’inondation en collaboration avec Joël Pommerat. En 2021, il adapte Le masque de la mort rouge sur commande de l’Ircam, pour le centième anniversaire des Donaueschinger Musiktage.
Ses œuvres sont publiées par Rai Trade et, depuis 2018, par Ricordi.

© Ircam-Centre Pompidou

Destinataires

Session 1 et 2

  • 2 chanteuses / 3 chanteurs :
    • 2 soprano pour le rôle de Sakura (une femme d’affaire japonaise)
    • 1 baryton pour le rôle de Takura (le mari de Sakura)
    • 2 contre-ténor pour le rôle de Paruparo (un jeune employé du Roomservice)
  • 1 pianiste
  • 1 assistant·e à la mise en scène
  • 2 assistant·e·s à la scénographie (réservé aux étudiants de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs)

Session 2

  • 8 compositeurs / compositrices

Modalités

Calendrier

Session 1 | Chanteurs / Chanteuses, pianiste – Assistant·e à la mise en scène – Assistant·e·s à la scénographie

Du 15 au 20 juillet, à Royaumont 

6 jours – soit 42 heures
Rythme de 7 heures par jour : 10h-13h / 14h30-19h, incluant une pause de 30 minutes dans l’après midi

Présentation publique : Fenêtre sur cour[s] le 20 juillet à 18h

Session 2 | Chanteurs/chanteuses, compositeurs/compositrices, pianiste, assistants/assistantes à la mise en scène, assistants/assistantes à la scénographie

Du 24 août au 8 septembre 2024 

17 jours, dont deux jours OFF
Rythme de 7 heures par jour : 10h-13h / 14h30-19h, incluant une pause de 30 minutes dans l’après midi

Présentation publique : Représentation le 7 et/ou 8 septembre 2024 au Festival de Royaumont

Les participants s’engagent formellement à suivre l’intégralité du cursus.

Tous les programmes de formation de la Fondation Royaumont ont un délai d’accès à minima de 11 jours ouvrés.
Exemple : si la Fondation Royaumont valide la demande d’inscription le 14 juin, elle peut proposer au bénéficiaire une formation qui commence le 29 juin.

Sélection

Chanteurs / chanteuses, pianiste, assistant/assistante à la mise en scène, assistant/assistante à la scénographie
  • Etape 1 : Pré-sélection sur dossier 
  • Date de clôture : dimanche 1er octobre 2023 à minuit
  • Réponse : mi-octobre 2023
  • Etape 2 : Audition le 20 novembre 2023 à Paris
  • Réponse : début décembre 2023
Eléments à fournir

Pour le dossier de candidature et la sélection, vous devrez fournir les éléments suivants :

  • Lettre de motivation
  • Biographie (impératif : 600 signes espaces compris)
  • CV
  • Photo
  • 1 ou plusieurs fichiers vidéo en lien avec la formation choisie (attention, les liens WeTransfer ne seront pas téléchargés)
Compositeurs / compositrices
  • Etape 1 : pré-sélection sur dossier
  • Réponse : 20 octobre 2023
  • Etape 2 : Les candidats sélectionnés seront convoqués pour un entretien fin octobre/ début novembre 2023
  • Réponse : le 15 novembre
Eléments à fournir

Pour le dossier de candidature et la sélection, vous devrez fournir les éléments suivants :

  • Lettre de motivation : mise en avant des compétences et qualités, raisons motivant le souhait de participer à l’Académie, idées courtes sur le projet, expérience 
  • Biographie (impératif : 600 signes espaces compris)
  • CV
  • Photo
  • Trois partitions et les trois enregistrements correspondants ; des enregistrements de bonne qualité sonore sont indispensables. Les maquettes ne sont pas acceptées.
Effectif instrumental

Flûtes / Clarinettes / Cors / Accordéon / Percussion digitale / E-Guitare / Violon / Violoncelle
La listes précise des doublures et instruments sera précisée après sélection.

Calendrier de remise de votre partition composée spécialement pour l’Académie Voix Nouvelles :
  • 60% de la partition le 1er juin 2024  mais avec l’intégralité des parties  vocales, le travail d’orchestration pouvant être encore incomplet ; la partie vocale doit être gravée ;
  • 80% de la partition le 1er juillet 2024, avec une note en anglais et français à propos de l’œuvre (1200 caractères espaces inclus)
  • 100% de la partition complète  le 1er août 2024, dûment gravée.

Date de clôture des candidatures

Dimanche 1er octobre 2023 à 23:55



Fiche programme

version n°1 du 27/07/2023

Effectif plancher/plafond

Effectif plancher :  3 chanteurs, 1 pianiste, , 8 compositeurs, 1 assistant à la mise en scène, 2 assistants à la scénographie
Effectif plafond :  5 chanteurs, 8 compositeurs, 1 pianiste, 1 assistant à la mise en scène, 2 assistants à la scénographie

Pré-requis et conditions d’accès à la formation

Chanteurs, pianiste, assistant à la mise en scène, assistants à la scénographie
Être jeune chanteur, pianiste, assistant à la mise en scène, assistant à la scénographie professionnel en fin d’études supérieures.
Les participants s’engagent formellement à suivre l’intégralité de la formation, soit 21 jours.
Avoir un bon niveau d’anglais à l’oral. 
Les conditions d’accès sont transmises pendant la formation.

Compositeurs / Compositrices

Jeunes compositeurs professionnels en cours d’études supérieures ou justifiant d’une expérience professionnelle.
Les participants s’engagent formellement à suivre l’intégralité de la formation, soit 15 jours.
Avoir un bon niveau d’anglais à l’oral. 
Les conditions d’accès sont transmises pendant la formation

Compétences visées / objectifs opérationnels

A l’issue de la formation le bénéficiaire sera capable de :

Pour les chanteurs / chanteuses / le pianiste

  • Interpréter un opéra d’écriture contemporaine
  • Aborder les spécificités du travail scénique avec un metteur en scène 
  • Travailler sur les particularités de la vocalité de l’écriture contemporaine avec un chef de chant 
  • Apprendre la mise en jeu du chanteur sur le plateau
  • Se préparer à des productions lyriques dans un contexte professionnel

Pour les compositeurs / compositrices

  • Composer une scène lyrique pour un effectif vocal et instrumental dans un temps donné ;
  • Concevoir une projet de manière collective, savoir s’insérer dans une réflexion commune tout en la nourrissant de propositions ;
  • Communiquer sur son parcours, sa démarche, son œuvre ;
  • Communiquer ses intentions artistiques aux interprètes de son œuvre ;
  • Recevoir les suggestions concernant la partie dramatique, exprimées par le metteur en scène et la librettiste ;
  • Intégrer les limites techniques d’interprétation de l’œuvre exprimées par les interprètes, les professeurs.

Pour l’assistant à la mise en scène

  • Aborder les spécificités du travail scénique avec un metteur en scène 
  • Travailler sur les particularités de la mise en scène d’opéra contemporain 
  • Se préparer à des productions lyriques dans un contexte professionnel

Pour les assistants à la scénographie

Objectifs pédagogiques
Pour les chanteurs / chanteuses / le pianiste

Connaissances

  • Analyser une œuvre (forme, rythme, harmonie…)
  • Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
  • Comprendre un texte chanté dans sa signification littérale aussi bien que dans son sous-texte
  • Intégrer la prononciation des textes chantés dans sa langue maternelle aussi bien que dans des langues étrangères
  • Définir le contenu dramaturgique d’une œuvre
  • Mémoriser des œuvres musicales pour pouvoir se détacher de la partition

Savoir-faire

  • Répéter avec efficacité un programme dans un temps limité 
  • Trouver sa place musicalement et humainement dans un groupe 
  • Acquérir les outils techniques nécessaires à l’interprétation d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
  • Définir sa propre interprétation d’une œuvre à partir des conseils transmis par les encadrantsFaire connaître son travail auprès du public, de la presse et de professionnels

Savoir-être

  • Entendre et comprendre les demandes des encadrants et leurs suggestions musicales
  • Exprimer clairement ses intentions musicales et pouvoir les justifier 
  • Communiquer avec bienveillance aux artistes avec lesquels on joue les difficultés relationnelles que l’on peut rencontrer
  • Partager son interprétation avec un public lors de la restitution finale 
  • S’adapter aux exigences d’un répertoire (prononciation, musicalité d’une langue…)
  • Tirer les bénéfices des apprentissages des autres participants à la formation
  • Identifier toutes les personnes présentes lors de la formation et leurs rôles : artistes encadrants, directeur artistique, administratrice, chargée de production, réceptionniste…

Pour les compositeurs / compositrices

Connaissance

  • Approfondir les connaissances théoriques sur un répertoire spécifique

Savoir-être

  • Utiliser les spécificités techniques pour créer une œuvre nouvelle et présenter le fruit de ce travail en public lors de la restitution finale

Savoir-être

  • Trouver les meilleures modalités pour partager ses intentions artistiques et intégrer dans son processus d’écriture les limites techniques des interprètes
  • Partager son projet avec un public lors de la restitution finale

Pour l’assistant à la mise en scène et les assistants à la scénographie

Connaissances

  • Analyser une œuvre 
  • Acquérir les outils techniques nécessaires à la mise en scène d’un répertoire et savoir quand et comment les utiliser
  • Comprendre un texte chanté dans sa signification littérale aussi bien que dans son sous-texte 
  • Définir le contenu dramaturgique d’une œuvre 
  • Identifier les spécificités du réseau professionnel dans lequel le bénéficiaire souhaite faire carrière 

Savoir-faire

  • Répéter avec efficacité une scène aux côté du metteur en scène dans un temps limité 
  • Trouver sa place dans un groupe 
  • Acquérir les outils techniques nécessaires à la mise en scène d’une oeuvre et savoir quand et comment les utiliser
  • Faire connaître son travail auprès du public, de la presse et de professionnels 

Savoir-être

  • Entendre et comprendre les demandes des encadrants et leurs suggestions musicales
  • Communiquer avec bienveillance aux artistes avec lesquels on travaille
  • Echanger des idées avec des artistes avec lesquels on joue 
  • Tirer les bénéfices des apprentissages des autres participants à la formation
  • Identifier toutes les personnes présentes lors de la formation et leurs rôles : artistes encadrants, directeur artistique, administratrice, chargée de production, réceptionniste…Identifier les différents interlocuteurs d’un secteur professionnel et savoir s’adresser à eux pour développer ses projets artistiques

Déroulé/contenu de la formation

L’ensemble du programme est pensé sous le prisme d’une pédagogie immersive et co-construite. Ce nouveau programme organisé en une session articulera les approches théoriques et pratiques, sous forme d’ateliers expérimentaux, de phases de création, séminaires, rencontres, conférences, mises en situations.

JOUR 1 10h00 : Accueil des bénéficiaires/ le matin
En compagnie de François Naulot (directeur artistique du Pôle Voix et Répertoire), Jean-Philippe Wurtz  (directeur artistique du Pôle Création musicale), Catherine Huet (administratrice du Pôle Voix et répertoire), Samuel Agard (administrateur du Pôle Création musicale) Armelle Mousset (chargée de production), Antoine Gindt (metteur en scène) et Yoan Héreau (chef de chant), tour de table des bénéficiaires, présentations de leurs parcours et de leurs attentes concernant la formation. 
La chargée de production rappelle l’organisation de la vie à Royaumont (règles de vies, horaires de repas, règlement intérieur), présentation de la feuille d’émargement, rappel des outils à disposition : salles de répétitions individuelles, drive pour partager des ressources, livret d’accueil, photocopieurs, groupe Whatsapp pour contacter la chargée de production et échanger des informations.
11h : début de la formation avec l’intervenant. Interprétation d’une ou deux œuvres pour définir les axes travaillés pendant la session
15h-18h : cours en groupe, travail détaillé sur chaque œuvre, définition des spécificités esthétiques et techniques
Accueil en présentiel, avec tous les participants à la formation.
Une rencontre collective avec les bénéficiaires, les intervenants et le responsable pédagogique.
Séances animées par les intervenants.
JOURS 2 A 5Cours en groupe, travail détaillé sur chaque œuvre, définition des spécificités esthétiques et techniquesSéances animées par les intervenants.
JOUR 6Cours en groupe, travail détaillé sur chaque œuvre, définition des spécificités esthétiques et techniques
18h-19h30 : Fenêtre sur cour(s) : ouverture des répétitions au public, présentation de la formation et du travail effectué durant la formation.
Séances animées par les intervenants.

Ce planning-type peut être adapté en fonction des besoins de la formation et des intervenants.

Méthodes mobilisées

Moyens pédagogiques :

Pour les chanteurs / chanteuses / le pianiste

  • Cours individuels 
  • Cours collectifs
  • Séances d’échanges collectives en vidéoconférence avec les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
  • Séances d’échanges individuelles en vidéoconférence avec les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
  • Répétitions sous formes de workshops ;
  • Concerts publics présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle

Pour les compositeurs / compositrices

  • Cours individuels (2 avec chaque intervenant compositeur.trice) ;
  • Cours collectifs (2 avec chaque intervenant compositeur.trice) ;
  • Séances d’échanges collectives en vidéoconférence entre l’ensemble, les solistes professionnels invités et les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
  • Séances d’échanges individuelles en vidéoconférence entre les musiciens de l’ensemble, les solistes professionnels invités et les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
  • Présentation par chaque compositeur.trice de son parcours et de son travail ;
  • Séance collective de management (création d’un ensemble, réseau de la musique contemporaine…) ;
  • Répétitions sous formes de workshops ;
  • Concerts publics présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle

Pour l’assistant à la mise en scène et  les assistants à la scénographie

  • Séances d’échanges individuelles et collectives pendant la session 
  • Séances en visioconférence avec l’équipe encadrante et les compositeurs.trices, avant la remise des œuvres ;
  • Concerts publics présentant les travaux finaux, avec captation audiovisuelle

Moyens techniques mis à disposition :

  • Salles de travail, munies de pupitres et de chaises.
  • En dehors temps de cours, sur la période de la formation, des lieux de travail peuvent être mis à disposition gracieusement, sur demande et dans la limite des disponibilités.
  • Documentation via un google drive privé.
  • Les compositeurs / compositrices auront accès à un photocopieur et disposeront du matériel pour imprimer leur partition complète et les parties séparées (papier, reliures, couverture).

Modalités de suivi et d’évaluation

Avant la formation :

Chanteurs / chanteuses, pianiste, assistant à la mise en scène

  • Présélection sur dossier d’inscription, via une plateforme dédiée, par le responsable pédagogique, par un questionnaire qui permet d’identifier les besoins du bénéficiaire.
  • Évaluation du niveau professionnel par la biographie ainsi que les copies des prix et diplômes et par le fichier audio et/ou vidéo.
  • Sélection définitive par audition en présentiel avec le directeur pédagogique et le/les intervenants

Compositeurs

  • Sélection définitive sur dossier d’inscription, via une plateforme dédiée, par le responsable pédagogique, par un questionnaire qui permet d’identifier les besoins du bénéficiaire.
  • Évaluation du niveau professionnel par la biographie, le CV, les partitions et enregistrements demandés et une audition en distanciel.

Pendant la formation en présentiel

Chanteurs / chanteuses, pianiste, assistant à la mise en scène, assistants à la scénographie

Pendant la formation en présentiel : Évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer rapidement les propositions faites par l’intervenant.
Pendant la présentation à la fin de la formation : l’interprétation d’une ou plusieurs œuvres en situation réelle devant un public permet d’apprécier l’évolution de l’interprétation, ainsi que les postures émotionnelles et physiques.
L’entretien permet l’évaluation et l’orientation du choix de carrière.

Sont notamment observées pour le bénéficiaire :

  • la qualité de l’aisance corporelle et gestuelle,
  • la pertinence de l’interprétation en lien avec l’analyse historique et musicologique,
  • la justesse et la cohérence au sein de l’ensemble,
  • la pertinence des techniques de travail,
  • la prise en compte de la configuration spatiale et acoustique du lieu,
  • la qualité de la relation au public.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

Compositeurs

Pendant la formation en présentiel : évaluation par le travail pratique du bénéficiaire, de sa réactivité et son aptitude à intégrer rapidement les propositions faites par les intervenants ; ainsi que de sa capacité d’intégration dans le groupe.
L’entretien individuel entre le responsable pédagogique et le bénéficiaire permet l’évaluation et le conseil en termes d’orientation de carrière.

Sont notamment observées pour le bénéficiaire :

  • la capacité à concevoir et réaliser une œuvre équilibrée, originale, utilisant les techniques d’écriture ou les effets de manière contrôlée et équilibrée ; 
  • la capacité à communiquer sur son travail, tant au moment des répétitions que des présentations publiques.

Les bénéficiaires signent une feuille d’émargement par demi-journée.

En fin de formation :

Une attestation de fin de formation mentionnant la nature, les objectifs, la durée de formation et les résultats de l’évaluation des acquis de la formation est remise au bénéficiaire.
Le bénéficiaire remplit une fiche d’évaluation qualitative afin d’évaluer la formation d’un point de vue artistique, pédagogique, humain et matériel.
Un suivi post-formation est établi, pour lequel les bénéficiaires sont priés d’informer durant les mois suivants la fin de la formation des opportunités professionnelles qu’ils auront obtenues.
Certains des compositeurs se verront attribuer une commande professionnelle, rémunérée et faisant intervenir les partenaires de la Fondation.

Accessibilité et prise en compte des situations de handicap

La Fondation Royaumont fait de l’accueil et de la participation des personnes en situation de handicap un engagement fort de son projet. Nos formations sont ouvertes aux personnes en situation de handicap et différents aménagements peuvent être envisagés en fonction des spécificités de chaque formation. Afin d’échanger sur vos besoins, contactez-nous au moment de votre inscription.

  • Salles et chambres accessibles par ascenseur.
  • Equipement écran et enceintes amplifiées
  • Restauration au rez-de-chaussée

Référent pédagogique

François Naulot, directeur artistique du pôle Voix et Répertoire
f.naulot@royaumont.com

Jean-Philippe Wurtz, directeur artistique du pôle Création musicale
jp.wurtz@royaumont.com

Référente administrative

Catherine Huet, administratrice du Pôle Voix et Répertoire
Huet.c@royaumont.com

Samuel Agard, administrateur du Pôle Création musicale / s.agard@royaumont.com

Référents handicap

Samuel Agard et Doriane Trouboul
referenthandicap@royaumont.com

Cet atelier de formation professionnelle est soutenu par la Fondation Daniel et Nina Carasso, la SACEM, le Groupe ADP, Art Mentor Foundation Lucerne, Christine Jolivet Erlih, Michèle Gagliano, les Amis de Royaumont. 
Avec le généreux soutien d’Aline Foriel-Destezet.
La Fondation Bettencourt Schueller est le mécène principal du Pôle Voix et répertoire de la Fondation Royaumont.
La Fondation Royaumont est membre du Réseau ULYSSES cofinancé par le programme Europe créative de l’Union Européenne

La Fondation Bettencourt Schueller est le mécène principal du pôle Voix et répertoire de la Fondation Royaumont.

La certification qualité à été délivrée au titre de la catégorie d’action suivante :
ACTION DE FORMATION

Ouvert 365j/an Visite tous les jours